SALA CASAL ALIANÇA -C/ BONAIRE – LAIA BLEY y TAST CROMÀTIC

Laia Bley forma parte de un grupo de artistas emergentes, entusiastas y que se esfuerzan por conseguir sus objetivos. Procedente de Premià de Mar, localidad cercana a Mataró, forma parte del programa de “intercambio artístico” entre ambas poblaciones y entidades artísticas. Cerca a terminar Bellas Artes, la artista vincula arte y vida. Le llama la atención tanto la abstracción como la figuración, interesándose por el gravado, la pintura, el dibujo, etc.

Bley tiene la fuerza de la juventud, el conocimiento de lo que ha aprendido y la locura de lo que quiere expresar, a través de la miscelánia de técnicas utilizadas durante su aprendizaje.

Con una clara fijación por el blanco y negro, utiliza el instrumento más representativo de este cromatismo, el piano, para mostrarlo desde todos los ángulos posibles, configurando a la exposición originalidad y dinamismo, al mismo tiempo que ofrece al espectador la posibilidad de dejar volar su imaginación, y sentir en los originales pianos de Laia Bley, la pieza musical que sugiere el dibujo, o escuchar en el gravado o en la pintura, aquella composición clásica de particulares referencias, a través de un colorido básico, pero del que se exponen interesantes derivaciones.

El sentido de la decoración con sugerentes Texturas, y muy especialmente el dibujo de maletas y mochilas, reflejando simbólicamente lo que vamos cargando durante la vida, con acompañamiento filosófico y de peculiares pensamientos, son otras obras que la artista ofrece.

JOSEP GÜELL – UNA QUIMERICA VISIÓN DEL MUNDO

Con el nacimiento de la fotografía, el retrato que de la realidad pintores y artistas ofrecían al mundo, sufrió una verdadera transformación, culminando en crisis. Pero como todas las mutaciones, nació un nuevo soporte hacia la búsqueda de nuevas formas de expresión pictórica, y llegaron auténticas revoluciones en el campo de la creatividad artística.

Más de 150 años después, la fotografía constituye en si misma un arte, que ha evolucionado a través de los avances tecnológicos de captar el original o la materialidad, a la manipulación y tergiversación de nuestro entorno, fórmula esta muy habitual en la actualidad y en demasiadas ocasiones, en manos inexpertas. Sin embargo, el coleccionista, visitante curioso o el amante del arte, siempre irá a la búsqueda del genio y la imaginación. Josep Güell sin duda es un creador.

La galería Victor Saavedra, situada en el número 97 de la calle Enric Granados de Barcelona, (http://www.victorsaavedra.com/) ofrece durante este mes de junio una interesante muestra de la obra de Güell, a través de la exposición fantastic world.

Con una experiencia de más de veinte años en el mundo de la fotografía, (http://www.josepguell.com/), el artista se permite el lujo de mostrar una autentica obra de creatividad, alejando al espectador de la contemplación de una fotografía, para introducirlo en un particular mundo onírico, reflejo de una singular realidad abrupta, distante, y de extrema soledad, tremendamente poética, densa e intensa, donde las pesadillas también tienen su espejo.

Paisajes nublados, luces tenues, aislamiento y melancolía son elementos característicos en la obra expuesta, (Argumento justo, argumento injusto, Soledad del hombre, magnitud de la naturaleza), aunque con cierta ironía se permite un toque de color (Fantastic word, Si me necesitas, llámame).

Su técnica se basa en el Impress Foto Lamba, y el formato de sus obras suele ser medio, lo que permite una contemplación sosegada, invitando a la reflexión y admirando el verismo de la obra, llena del reflejo de instantes únicos que sólo pueden ser transmitidos a través del objetivo de una cámara, y de la visión de un artista, que encuentra en la Naturaleza su sentido de vivir, y que expresa un punzante dolor ante sus heridas (Pasaje nunca pintado en un abanico).

Una exclusiva e interesante muestra de lo que puede ofrecer la fotografía creativa en relación con nuestro mundo.

FRANCESC GIMENO: A CONTRACORRIENTE

Confieso que me sentí fascinada por El pi vell, (oleo s/tela -1914) cuando vi la reproducción de la obra publicada en una revista especializada.

Contemplar el original en la Galeria Anna Ruiz de la calle Consell de Cent, 291 de Barcelona me dejó absolutamente fascinada, pues no había tenido ocasión de conocer la trayectoria de este artista. Craso error que a través de este artículo pienso enmendar.

Francesc Gimeno expresa en su pintura, una extraña calidez y una luminosidad fuera de lo común. Sensibilidad y emoción se dan la mano, pero sin concesiones al refinamiento que proclamaba el Modernismo, movimiento del que no formó parte, aunque por supuesto, contaba con amigos y colegas del mismo. Hay austeridad y una visión muy realista del paisaje. Su pincelada gruesa, profunda, marcada. Una paleta de colores trabajada, pero muy natural, llena de sobriedad, con tonos sombríos, especialmente en los retratos.

La obra de Gimeno es profundamente solitaria, adusta y muy intensa. Sus retratos son reflejo de una conciencia, y de una realidad que envolvía la Barcelona rica e industrial la cual no quería ver, pero que existía a su alrededor. Un retrato femenino en una tarea manual, creativa y a la vez práctica: la costura. Serenidad y atención a un trabajo delicado hecho por manos ásperas: Noia cosint, Irene cosint, (oleo s/tela) obras realizadas entre 1900 y 1921. Sus paisajes están envueltos en la nostalgia, no sólo por la época en que fueron realizados, sino por el hecho de conservar en la misma, el encanto y la pureza de no haber sido transformados por la mano del hombre. Cala de la Costa Brava (oleo s/tela).

Francesc Gimeno fue un artista avanzado en su tiempo, lo cual significa incomprendido. Retrató la realidad social de alguien que no pudo vivir de su arte, por lo que su estilo pictórico da poco lugar al optimismo o a las alegorías a la florales del Modernismo.

En esta exposición casi parece no haber contrastes entre el paisaje urbano y el natural, aunque por supuesto, en el paisajismo no resistió la tentación de dejarse llevar por lo que la Naturaleza había creado. Era arte en si mismo. En el urbano, siempre dejó entrever unas gotas de Naturaleza.

Una muestra la que nos permite la galería Anna Ruiz, sintética, muy escogida, llena de diversidades y por supuesto un homenaje a un gran pintor que lamentablemente, en los albores del siglo XXI es prácticamente un desconocido para una mayoría. Supo retratar con detalle y preciosismo, su propio Autoretrato (oleo s/tela - 1918) con un interesantísimo Cap de nen (pastel s/papel) o la curiosidad de la exposición: una Natura Morta de 1920, (oleo s/tela) muy particular y que podría considerarse vanguardista, casi con connotaciones cercanas a la abstracción.

EL PERFUME, LA SUBLIMACIÓN DEL ARTE

Para el común de los mortales, el concepto de arte se asocia directamente y sin titubeos a la pintura, la escultura, la arquitectura o incluso a la interpretación. Si bien en estas áreas, el ser humano ha llegado a alcanzar altisímas cotas de belleza y perfección, el perfume podría considerarse la quintaesencia de todas las artes, al conjugar la precisión científica en la mezcla de aromas y esencias, con la expresión de algunos conceptos artísticos como: armonía (equilibrio en el que las partes se subordinan al todo), cosmos (orden bello) luz y esplendor (manifestación de la belleza espiritual) y sublimidad (representación material de la belleza divina.

Los hermanos Francesc de A. Planas y Ramon Planas, propietarios de la Perfumería Regia – Passeig de Gràcia, 39 de Barcelona, supieron captar a través de su establecimiento, el concepto más sinfónico y más espiritual del perfume, palabra procedente del latín (per-fumum) que significa humo o vapor . Su interés, hasta convertirse en pasión llegó hasta tal punto que en 1961 pusieron en marcha el actual Museo del Perfume (http://www.museodelperfume.com/), emplazado en un apartado interior de las instalaciones de Perfumería Regia.

El visitante curioso, amante especialmente del arte se siente inmediatamente atrapado por la magia y el hechizo de los cerca de 5.000 frascos de cristal, cerámica, alabastro, ungüentarios, balsamarios, esencieros, pot-pourris, estuches, cajitas y un sinfín de envases, la antigüedad de algunos de los cuales se remonta al Egipto del III milenio antes de Jesucristo, durante el reinado del faraón Amenofis I, aunque el conjunto de piezas más antiguo pertenece a las civilizaciones de Grecia y Roma, sin olvidar recipientes de origen árabe, una colección de esencieros de los siglos XVII al XIX, o el frasco “Le Roi Soleil” que fue diseñado por Salvador Dalí.

La fascinación ejerce su poder más absoluto, al recorrer el camino de la historia a través del preciosismo de muchos de los frascos que el museo exhibe. Infinitas formas dan cabida al esplendor que sólo la civilización, es decir, el estudio y el conocimiento, han logrado contener. Todas las culturas avanzadas utilizaron perfumes para distintos fines. Unos fueron religiosos, ofrendas a los dioses y a los muertos, etc., y otros para embellecer y hacer más atractivos a los vivos, especialmente a las mujeres.

Gracias al Museo del Perfume, puede ser comprobada la evolución del gusto y criterios femeninos, resaltando hasta hace pocas décadas el misterio, la sofisticación, el glamour, la delicadeza, la elegancia, la distinción... aquel concepto casi inmaculado proporcionado por Dante a través de Beatrice, quien conduce al protagonista al Paraíso en su obra La Divina Comedia, hasta la mujer de hoy, independiente, con capacidad y dominio, apta para la dirección, más práctica, menos refinada y chic debido en parte a la duplicidad de tareas laborales y domésticas, lo que en la mayoría de casos provoca que dedique menos tiempo si misma, a pesar de los avances tecnológicos y de otras teóricas facilidades.

El perfume, fue y es creado generalmente por hombres, y destinado a las mujeres. Así lo recoge el Museo del Perfume, por lo que resulta curioso observar el escaso interés, hasta hace menos de un cuarto de siglo, por la perfumería masculina, de la cual las instalaciones museísticas disponen de algunas marcas y frascos.

También resulta interesante comprobar como los creadores de envases, conocedores de los cambios producidos en la mujer a lo largo del siglo XXI, curiosamente vuelven a las raíces greco-romanas, imitando con diseños contemporáneos botellas, balsamarios y esencieros de los siglos I y III de nuestra era, lo que les permite estar a la vanguardia, gracias a los conocimientos de antiguas civilizaciones.

Pero sin duda alguna, la inspiración en la fabricación de aromas, va íntimamente ligada al poder de seducción de los envases que las contienen. Así, de la mano de creadores de botellas como George Chevalier, contratado en la década de los años veinte por la fábrica de vidrio Baccarat, y que diseño de envases para Guerlain, Dior, LT Pivert, Patou, Elisabeth Arden, o el famoso perfume Nº 5 de Chanel, Paul Iribe, diseñador de los frascos de Jeanne Lanvin, o la impactante botella de coñac del Carnet de Bal, creada por Reveillon, y la siempre emblemàtica Trésor de Lancome, creada por George Deslhome, el perfume llega a las perfumerías para ser expuesto en todo su esplendor y exhibido como una auténtica joya del arte.

No es posible abandonar la visita del Museo del Perfume, sin dejar de prestar especial atención a los exquisitas polveras o cajitas para jabón donde la imaginación se desbordaba en honor a los contenidos, y donde el arte del dibujo y los materiales empleados muestran gran magnificencia, ni a la curiosa e interesante col·lección de miniaturas.

El Museo del Perfume de Perfumeria Regia, de carácter privado pero con vocación de conocimiento público, realiza una gran y a la vez callada labor pedagógica en pro del Arte y de la Historia. Un ejemplo que muchas instituciones oficiales deberían seguir.

DESBORDANTE MIKAELIAN

El pintor armenio afincado en la comarca del Maresme Mikaelian (http://www.aramikaelian.com/), expone de nuevo en Mataró, en la sala Àmbit Zero del Ateneu Caixa Laietana. Hace seis años, expuso por primera vez en otra de las salas de la entidad de ahorro, sorprendiendo a propios y a extraños con su arte, que para muchos resulta difícil de conceptuar.

La rica imaginación de los pintores de los países del Este de Europa, y en concreto, de los procedentes de su zona más septentrional, es especialmente prolífica, siendo Mikaelian uno de sus mayores y más barrocos representantes.

Profundamente surrealista, de figuración definida, exquisito en cuanto a la precisión de detalles, de matices, de pinceladas, de cromatismo austero, sin luminosidad pero con un extraño esplendor donde los ocres tienen especial dominio, este artista muestra con critica y dureza, un retrato de la sociedad actual, donde a través de sus pinceles, no deja escapar ninguna de las problemáticas en la misma está inmersa.

El artista realiza la mayoría de sus obras en gran formato, siendo la técnica la acuarela y el oleo sobre tela o papel, utilizando en ésta última un formato medio, con claro predominio de grises y negros y un apenas perceptible blanco.

La obra de este artista es atrayente y subyugante, compleja hasta el infinito dentro de los escenarios que exhibe en cada uno de sus trabajos, sin dejar de recordar al espectador en esencia: su estética barroca, planteamientos renacentistas o su admiración por Goya. Si hace seis años, su obra era más vegetal y mucho más onírica, con un cromatismo más brillante, y técnica siempre depurada, sin dejar el espíritu surrealista, la obra que presenta en el 2010 es mucho más terrenal, más figurativa, más carnal no sólo en el terreno sexual, sino en la variedad de personajes que encontramos en sus lienzos donde el drama y el trauma coexisten en toda su magnitud.

Mikaelian refleja la realidad del mundo de los sueños humanos, que no proceden de un paraíso de humanismo y concordia, sino del más profundo de los infiernos donde las pasiones desmesuradas y los deseos inconfesables tienen cabida: Los perros tienen pesadillas, La ley favorece a la mujer, Bacchnalia de los inmigrantes, etc., son títulos muy significativos. También resulta curiosos el fetichismo del artista por mostrar en cada una de sus exposiciones: Encuentro con los ausentes o El casco; las dos tienen ya más de seis años.

La obra de Mikaelian precisa de contemplación y admiración; la primera, muy respetuosa por su densidad – incluso en el gran número de obras expuestas - y la segunda por su maestría en la técnica y contenido.

ANDREA CARREÑO: LA PLENITUD DE LO ÁTAVICO

Pocas veces el subconsciente, a través de la derivación artística del surrealismo, ofrece al espectador y al coleccionista, posibilidades pictóricas plagadas de matices románticos, intimistas y vitalistas como los que la artista chilena Andrea Carreño (http://www.andreacarreno.com/) expone en la Fine Art Gallery de Jean Paul Perrier (http://www.jeanpaulperrier.com/), situada en la calle Mèxic, nº 5 de Barcelona.

En Selva de Espejos, título de la muestra, Carreño presenta su obra más reciente: 2005-2010 expresando con sensibilidad y sentimiento todo un universo del subconsciente, siendo la base la solidez y potencia expresiva del dibujo – es una excelente dibujante -combinando en forma de collage la técnica pictórica, a través de la utilización de un cromatismo luminoso y cálido, dentro de un contexto donde volumen y espacio están perfectamente planteados, conjugando con ello que el espectador quede inmediatamente atrapado por su fantasía.

Si bien su dominio lo ejerce en técnica mixta sobre tela, y especialmente en formato grande, lo que le permite dar cabida a su rebosante y onírica constelación, sus bocetos o sus trabajos en 30 x 30, y sobre papel, reducen por motivos de espacio el mismo, si que por ello al espectador deje de captar la maestría con que Carreño plantea sus obras, en las cuales fluctúan sin cesar la particular simbología de la artista, contrastando en su obra, o reflejando como en un espejo, el atavismo de lo cotidiano Interior con escalera, interior con ánfora y conejo, con ese mundo onírico no exento de romántico surrealismo y en homenaje constante a las formas clásicas del arte greco-romano como Dama en el parque, Paisaje con retrato, El León del Luxermburgo, etc.

Si bien la obra de Andrea Carreño es tranquila, invitando a la reflexión, no significa que no haga participe al visitante a su particular vorágine creativa: Viento III, aunque después nos emplace a su universo y confort interior: La siesta o Des del Espejo.

Una obra llena de elegantes sutilezas, sin dramatismos ni conceptos traumáticos, ni atisbos de agresividad, sino repleta de sugerentes plenitudes, que nos transportan a ideales que aun persisten.

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 30 de junio.

UN NUEVO ESPACIO PARA EL ARTE EN MATARÓ

Desde finales de la década de los ochenta, la capital de la comarca del Maresme ha monopolizado los espacios artísticos entre los estamentos públicos y la obra social de las entidades de ahorro. Todos, con suficientes recursos para mostrar a la ciudad obra de envergadura, o dar a conocer diversidad de artistas, muchos de ellos procedentes de otras ciudades o países.

Aparentemente, la imagen es positiva, pero esta centralización, de forma lenta y progresiva, ha provocado que las casi diecisiete galerías que durante las dos décadas precedentes formaron parte del panorama artístico de la ciudad, desaparecieran, debido tanto a cambios de costumbres como de inversiones económicas.

Que una nueva galería de arte privada abra sus puertas al público en general es todo un acontecimiento, para la ciudad como para los artistas, que podrán ver ampliadas sus posibilidades para expandir su arte.

Gal-Art, situada en la Ronda O'Donnell, 89 de Mataró (Tel. 93 757.74.95) inauguró su espacio el pasado 5 de mayo. Con la presencia de numeroso público, Daniel Cabrera y Joan Fábregas socios, amantes del arte y coleccionistas, dieron la bienvenida a los presentes, mientras comentaban aspectos técnicos y de logística de su galeria.

Gal-Art, Antigüedades y Coleccionismo, tiene como objetivo ofrecer tanto al comprador ocasional como al coleccionista experto, un amplio abanico de obras, centradas principalmente en los siglos XIX y XX, sin dejar de mostrar interés por los pintores locales.

Su concepto varia del empleado por las galerías tradicionales. Si bien, a través del mismo pueden exhibir obra concreta de un artista, rodeada por la de otros, y donde el posible cliente se puede acercar, la finalidad de Gal-Art es añadir a esta opción, la promoción del conjunto de su espacio directamente, a la búsqueda del comprador, bien pertenezca a una sociedad mercantil, como a nivel particular.

El local de la Ronda O'Donnell 89, se muestra acogedor; los cuadros colgados dan una gran sensación de calidez, si bien serían de agradecer una iluminación más precisa y un margen de pared más amplio. El hecho de que los muros estén repletos de cuadros da la sensación de encontrarnos ante el “sanctum-santorum” de un coleccionista privado, lo cual no deja de ser una invitación para los muy apasionados amantes del arte.

La variedad de estilos y temáticas es percibida rápidamente por el espectador, sin dar concesiones, por el momento, al arte de vanguardia o conceptual.

Es verdaderamente satisfactorio para la ciudad que un nuevo espacio artístico entre a formar parte de la misma, ampliando las posibilidades de compra-venta y facilitando la entrada a artistas como Jaume Agulló (http://www.jagullo.blogspot.com/), especializado en el retrato, como puede observarse a través del escaparate de la galería, y con una larga trayectoria dentro de esta temática, aunque también ha puesto en práctica su arte con el paisajismo, y del que Gal Art exhibe una muestra.

El retrato expuesto, dentro del más puro academicismo, con precisión y detalle absolutos – especialmente en el contenido de la mesa – huye de la sobriedad de un fondo unitario de color, para mostrarnos una vista más cosmopolita, que acompaña sin difuminar a la protagonista del retrato, y nos presenta un pintor meticuloso y exquisito, de trazo ágil y formas suaves, tratando el cromatismo en tonos claro-oscuros, muy plácidos, con sencillez y elegancia.