COLECTIVA SANT LLUC-2010: TIEMPO DE CRISIS

Con puntualidad germánica, la 64 edición de la colectiva Sant Lluc abrió sus puertas el pasado 16 de septiembre. Las salas de exposiciones del Ateneu Caixa Laietana, acogerán hasta finales de octubre un total de 90 obras, - la capacidad del espacio así lo justifica - seleccionadas por un jurado calificador.

Sin embargo, a pesar de la ingente tarea del jurado, este no ha podido evitar el descenso en picado del nivel de la colectiva. Después de tres años de asumir unos límites de calidad interesantes, es absolutamente desalentador comprobar como pocas son las obras que pueden calificarse de excelentes, y demasiados los trabajos de “repesca”, donde temática, técnica y ejecución distan mucho de piezas realizadas con ingenio y resueltas con eficacia.

Una gran parte de los expositores, bien por encontrarse en situación de jubilación y por lo tanto, disponer de tiempo libre para la distracción, o por tratarse de un hobby o terapia, al margen de la actividad laboral habitual, o por tener interés en aprender, -loable proceder que como preferencia admite con prioridad ensuciar cuatro pinceles y mezclar cuatro colores, etc.,- prefieren destacar, presentando una “obra” en una colectiva –por imposibilidad lógica de obtener sala para una exposición - y obtener a posteriori, la admiración – muchas veces ficticia – de amigos y familiares. Realizar cursos de macramé, aeromodelismo o coleccionar sellos, no proporciona la misma proyección social.

La primera edición de la Sant Lluc se remonta a 1946. Fueron 41 los artistas que expusieron y 116 los trabajos presentados. Seis décadas después, la multiplicación de gentes (mucho personal y pocos ARTISTAS), está absolutamente descompensada. Centrados en el entretenimiento, quedan en el olvido la historia del arte, literatura e información artísticas y el humanismo en general. Con estos parámetros, el acceso a una colectiva permite obtener un currículum ficticio.

A lo largo de la historia, el ARTE no tan solo consiste en la búsqueda constante de una admiración que extasíe al espectador, transportándolo a la contemplación de LA BELLEZA, acercándolo a su vez a lo divino, sino también una crónica visual, con empuje, espíritu y sentimiento de la evolución política, económica, filosófica, religiosa y social del ser humano.

El ARTE ha reflejado sublimación y miseria, poder y pobreza, acontecimientos históricos y la cotidianidad de la existencia, la naturaleza salvaje y el refinamiento más exquisito, el Paraíso y la Gloria, el Infierno y la Psique, y un largo etc., de circunstancias, siempre ha través de una de las máximas que ha hecho grande al hombre: la Creatividad.

En la edición 2010 de la Sant Lluc, pocos son los nombres consagrados (Perecoll, J.B. Parés, Manuel Cusachs,...), muchos se quedan en la retaguardia, otros destacan por calidad, técnica y temática bien desarrollados y experiencia probada (Marta Durán, Josep Serra, Catherine Lorton, Daniel Llin, Nieves G. Nau, Sandro Soriano o Jordi Torner Colomer, la autentica revelación de la muestra con una excelente obra de perfecta manufactura: “Escacs” (escaques), pero se echan de menos otro tipo de especialidades artísticas – esmaltes, vitrales, más grabados, figuras de vidrio, bisutería o joyería, la copia de una obra clásica y MÁS PINTURA AL NATURAL, pues todo se realiza a través de fotografía. Pocos han sido los jóvenes que se han acercado a la colectiva, bien porque no se atreven, o no han terminado los estudios o bien no es oportuno entrar en competencia con el profesor.

Sin desmerecer en absoluto la infatigable tarea de l’ASLL (www.santlluc.org), es innegable que una exposición de estas características también refleja le evolución y comportamiento de la sociedad, y de un momento económico.

NUEVA ETAPA PARA LA SALA DE EXPOSICIONES “LA PRESÓ” EN MATARÓ

La Associació Sant Lluc per l’art está de enhorabuena. Un espacio, en principio pensado para dar clases de dibujo, entra a partir de este mes en funcionamiento como una nueva sala de exposiciones, de manera continuada. Nos referimos a La Presó (antigua prisión de la ciudad, hoy reconvertida para fines culturales), situada en La Riera, 117, comienza su primera etapa de exhibición artística con una Mostra Col·lectiva de Gravat (Muestra colectiva de grabado).

Hasta el próximo 31 de octubre, los alumnos de Jordi Rosés y Pilar Lloret http://www.murtraedicions.com/ (Daniel Llin, Teresa Oller, Esther Aliu y Margarida Beltran), conjuntamente con Ismael Cabezudo, Tada Ikegale, Carme Peris y Regina Puig), exponen cerca de una veitena de obras, realizadas mediante la aplicación de múltiples técnicas de grabado.

Inaugurada el pasado 10 de septiembre, A. Luis, presidente de la ASLL http://www.santlluc.org/, destacó tanto la excelente situación de la sala – muy centríca – como la magnífica labor que están llevando a cabo Murtra Edicions.

La muestra es de diversidad absoluta en cuanto a conocimientos y elementos empleados: Litografías sobre papel japonés, inglés... Aguatinta y aguafuerte, estampados... utilizando tanto medios mecánicos, planchas no metálicas, técnicas aditivas, barnices y un largo etc. Todo ello permite a cualquier persona, con sólida base artística, no sea necesariamente un experto grabador, de pulso preciso y experiencia probada, sino que en combinación de técnicas litográficas, realiza una copia exacta del callejero de la ciudad de Mataró, tal como lo presenta ISMAEL CABEZUDO, quien tuvo extremo cuidado en conseguir un grabado perfecto, sin manchas ni imperfecciones. La originalidad temática reside en lo poco habitual que resulta, contemplar un plano de calles como una obra artística, y Cabezudo ha demostrado que es posible. Al igual que CARME PERIS, quien ha realizado una obra de parecidas características, pero con un contorno geográfico: Mediterrània - Lito sobre plancha tirado sobre papel japonés.

Si bien podría tratarse de una obra surgida de una litografía ya empleada, Peris ha sabido darle modernidad y elegancia, con una cálida y sugerente combinación de colores, y un tratamiento de fotoshop, reconvirtiendo un mapa de la costa del Mediterráneo en una obra de arte. El contraste temático se produce con Xemeneies (Chimeneas): Lito sobre piedra tirado sobre papel inglés. Una composición geométrica, no exenta de plasticidad, utilizando un cromatismo más duro y estridente, simbolizando la contaminación atmosférica a la que estamos sometidos.

DANIEL LLIN es el artesano grabador por excelencia. Sus obras, especialmente las de 10 x 10, son una autentica demostración de precisión, de trabajo meticuloso, de culto a la artesanía del grabado, que recuerda muy significativamente a aquellos del siglo XIX, en lejana memoria de Gustave Doré. Utilizando barniz suave s/jabón, permite captar y valorar una técnica de trabajo, la cual, si de historia se tratase, podría calificarse de historicista, dentro de la contemporaneidad antes expresada. El contraste con la técnica expresada lo expone TADA IKEGALE, con una obra realizada sobre papel japonés, de idea y desarrollo absolutamente complejos. Formas casi laberínticas, algunas de extraño magnetismo, otras imitando la naturaleza, dando lugar a multitud de dibujos individuales, todo perfectamente conjuntado, como si de montar una caja o archivo se tratase. Imaginación y originalidad se dan la mano en esta artista, exponiendo una obra que huye de las más arraigadas tradiciones del grabado, para adentrarse en las facultades de observación y la subjetividad del espectador.

MARGARIDA BELTRAN exhibe una obra tremendamente contemporánea, realizada en base a una perfecta simbiosis de técnicas clásicas y elementos modernos. Aguafuerte con barniz suave y estampado “a la poupée”, a dos tintas y con papel collage; Directo sobre plancha, Punta seca y estampado con tinta sepia y con collage o Directo sobre plancha “Manera negra” o “Mezzotinto”, estampado “a la poupée”, a dos tintas, etc., siempre utilizando plancha de cobre, de diferente grosor, hecho que le permite conseguir una serie de trabajos, que parten de una estructura técnica muy trabajada, dejándose fluir artisticamente por la serenidad y cierto misterio de las arboledas “Bosc de tardor, Bosc de boira” (Bosque de otoño, Bosque de niebla), la placidez mediterránea a través de las suaves ondulaciones de arena y agua “Es Caló. Formentera y Sorra y mar”, y el extraño hechizo y oculto sentido de “Regalims”(Goteos).

La obra de ESTHER ALIU, realizada en grabado calcográfico, aguatinta, aguafuerte, papel Hannemulle crema 107 x 93, puede resultar al espectador muy “planetaria”, casi como si contemplase la tierra des de un satélite. Un particular y abstracto sistema solar, o tal vez lunar, por el cromatismo utilizado, donde invita al visitante a contemplar el universo con ojos muy abiertos y extraña percepción.

Finalmente, los trabajos de REGINA PUIG y TERESA OLLER. Esmero en las obras, con aparente simpleza en el diseño, pero realizado a conciencia, dando como resultado una factura impecable.

ALCEU RIBEIRO: EQUILIBRIO EN LAS FORMAS, REFLEXIÓN EN LOS CONTENIDOS

J.F. Rafols indicaba en su Historia del Arte, página 482 con referencia a J. Torres García "¿Por qué no se le cita con mayor frecuencia entre los grandes creadores, los pioneros, los apóstoles del Arte Abstracto? Se pregunta Jean Cassou..." Corría el año 1970 cuando esta frase fue impresa en el citado volumen.

En el año 2010, las enseñanzas del artista uruguayano tienen vigencia absoluta, citas incesantes y renovación permanente, gracias a uno de sus más queridos y aventajados alumnos: Alceu Ribeiro, quien junto con Augusto y Horacio Torres, Fonseca, Gurvich o Matto fue de los primeros integrantes del mítico Taller que JTG fundó en Montevideo en 1939. A sus cerca de 91 años, el artista conserva porte y elegancia en su figura, aplomo en su mirada y lo más importante, un torrente de vitalidad creativa.

La Sala Dalmau (www.saladalmau.com), como en otras ocasiones desde 1997, exhibe en Consell de Cent, 349 de Barcelona, y hasta mediados de noviembre, una magnifica muestra de sus más recientes trabajos, (2005-2010). El particular Cosmos de Ribeiro refleja una de las realidades más constantes y a la vez más intangibles y simples del ser humano: la geometría. Líneas, espacios, volúmenes, formas de toda índole envuelven al hombre en la cotidianidad de su existencia, desde sus primeros instantes hasta su último aliento. Pero ese hecho tan poco percibido, Ribeiro lo transforma en ARTE, con total plenitud de contenidos, sin complejos y siempre en base a un equilibrio permanente, no exento de ciertos toques cubistas, que dan a su constructivismo ese exclusivo matiz, que sólo los artistas procedentes de tierras sudamericanas saben imprimir.

Un cromatismo vigoroso, intenso, donde predomina el rojo y sus múltiples derivaciones. El negro, como marco indiscutible para la composición, delimitación y unión de las formas, objetos y símbolos de su obra. Blancos, verdes suaves, amarillos y colores tierra, en proporción debida. Collage, Oleo s/ tela o madera, acrílicos, son los materiales que habitualmente utiliza el artista y el bodegón una de sus habituales expresiones.

Alceu Riberio (http://www.alceuribeiro.com) transmite a través de su obra, un mensaje de signos de toda índole, donde la subjetividad es libre. Su arte, también sabe acercar al espectador al cálculo y a la matemática, como lenguajes universales manifestados siempre de manera aparentemente impalpable, visualmente imperceptible, pero que Ribero utiliza y exhibe limpia y abiertamente, como declaración explicita y firme del arte del siglo XX, y con total validez en los albores del siglo XXI.

SETBA JOVE: IMAGINACIÓN AL PODER

Con la proximidad del otoño, muchas de las salas de arte renuevan sus fondos de galería o colectivas de verano, para dar paso a las expectativas de la nueva temporada. La exhibición de obras de noveles o consagrados artistas, presentando sus creaciones más recientes, en viejos o nuevos estilos, tiene como objetivo atraer la atención del coleccionista adicto, del comprador devoto, del incondicional visitante o del espectador ocasional, en pro del arte y a favor de continuar manteniendo los legítimos ingresos económicos.

Setba zona d’art (www.setba.net) apuesta por la novedad más radical, y se acerca a la estación predecesora del invierno con Setba Jove (Setba Joven), una exposición realizada en colaboración con Stripart http://www.stripart.org/art, un certamen éste, de jóvenes artistas, “que se dirige a todo aquel que experimenta con lo que cíclicamente se llama nuevos lenguajes artísticos”.

Desde el pasado 7 de septiembre y hasta el próximo 31 de octubre, Setba Jove ofrece al visitante una muestra llena de fuerza y energía, sin dejar de lado la frescura, el talento, la inventiva, la ilusión, la originalidad... como en aquella imaginación al poder del mayo del 68, llena de revolución y vitalidad, aunque el paso de los años la haya convertido en nostálgico ensueño.

Nueve artistas fueron los escogidos en esta muestra: Inma Fierro, Trinidad García Espinosa, Albert Lladó i Daniel Llamas, Rodrigo Martín, Flavia Mielnik, Cristina Palomar, Santos Román, Aris Spentsas, Montserrat Valls Codina. Todos ellos, ofreciendo variedad y disparidad de creaciones, a cual más vanguardista y atrevida siendo la fotografía la base principal de la mismas, teniendo todas ellas, como extraño nexo común, el interior, la soledad y en algún caso el vacío de la vida contemporánea.

Rodrigo Martín e Imma Fierro son quienes, tal vez, ofrecen técnicamente un mayor “clasicismo”. El primero con Breda & Hachazu, oleo y acrílico s/tela, y Fierro con Pandora & Inicio, realizada en mixta s/tela. Es ésta una abstracción de trazo amplio y cromatismo basico y terso, en contraste con una oscuridad central. Formas semi redondeadas dan calidez y suavidad, expresando sin grietas ni fisuras particulares sentimientos a flor de piel. Martín, implacable e impactante. Rojos intensos negros abruptos, trazo amplio y vigoroso. Es la vida, es el ser, es la complejidad humana, el deseo el vigor y la impaciencia.

Trinidad García Espinosa presenta una muestra fotográfica: Ónfalos, donde la anatomía humana, y el ombligo en especial, de todas las edades y condiciones, tiene protagonismo absoluto. Imagenes técnicamente equilibradas en cuanto a enfoque, plano, luz, sombreado y color, sorprende al espectador por la temática, sin ofensa alguna y con un mensaje tremendamente positivo por la unión que todos los seres humanos tenemos con la matriz, la creación y el misterio de la vida, esa unión intima, oculta e interior, y su contrario, el camino hacia nuestro propio e independiente crecimiento y evolución, a través del inexorable corte umbilical que nos empuja al destino a lo desconocido.

Albert Lladó i Daniel Llamas ofrecen Diccionario Prescindible, una forma de arte interactiva, por medio de procedimientos informáticos, que precisa sobremanera la complicidad del espectador: http://diccionarioprescindible.com/, quien clicando sobre palabras marcadas en negrita o no, accede a curiosas, irónicas, filosoficas e imaginativas deficiniones, sin olvidar el sarcasmo en unas y el fino sentido del humor en otras, en palabras como Laberinto, Maestro, Nube y un largo etc. Veamos la definición de: Kafkiano/a,: Insectos en los que nos convertimos todos al aceptar un trabajo bien remunuerado....Cada palabra está debidamente ilustrada, a través de imagen y sonido, siendo estos iguales de burlescos. La sonrisa, sin duda aparece en el rostro del visitante y complice, sin que ello impida la reflexión de quienes somos, lo que somos, que nos rodea y hacia donde vamos.

Flavia Mielnik y su Cuarto Plano ofrece una novedad absoluta: una combinación de dibujo, (trazo sencillo, casi en formato de esbozo) fotografía (de edificios semiderruidos o abandonados) y volumen, (caja de madera), mostrando sobre una plancha de metacrilato, lo que para ella tal vez pudo ser, en tiempo ya lejano, un hervidero de vida, de actividad, de gentes, de bullicio, de convivencia humana y de cotidianidad, transformada por verbigracia de Cronos, en el cementerio del olvido.

Una obra tremendamente original e imaginativa, sugerente en mil y una sensaciones, del despiadado correr del tiempo, a través de casas, muebles, utensilios, trabajos, etc.

Cristina Palomar y Fantasia Estenopeica, remonta al visitante a la inquietud de los filmes de suspense, mostrando la turbadora soledad de una escalera vacia en un edificio antiguo, de suelo blanco y negro, como si del tablero de ajedrz se tratase.

Perfección absoluta en cuanto a la toma fotográfica, especialmente en la iluminación. Realizada con cámara estenopeica de madera, construida de forma artesanal, película de 120 en color y un tiempo aproximado por foto de 2 a 10 minutos.

Una fotografia tecnicamente atractiva y simbolicamente sugerente, invitando al visitante a formular su particular guión de misterio.

Santos Román con su Naturaleza Desnuda, exhibe un fotomontaje, realizado en base a su viaje a tierras islandesas. Una fotografía en blanco y negro de calidad exquisita y técnica preciso, muestra la magnitud del dominio del paisaje, siendo la figura masculina, un elemento distorsionador al que la Naturaleza, inflexible y vindicativa, no le cede espacio, fomentado que el ser humano reflexione sobre si mismo, su actitud destructiva y las consecuencias que la misma conlleva: aislamiento y desierto.

Aris Spentsas reivindica con su Preferiría no hacerlo un recuerdo para una de las formas de comunicación que empieza a estar ya más en desuso; el correo, especialmente el áereo, a través de un movil realizado con viejos y arrugados sobres. El a veces exigente avance de los tiempos, implica la pérdida del sentido de “lo antaño”. El nostalgico romanticismo que suponía escribir a mano, perfumar una carta, encerrar en un sobre todo tipo de sentimientos, emociones, preocupaciones, alegrías, noticias de toda índole, poco a poco va quedando relegado a la memoria inerte de achacosos y rugosos sobres para cartas.

Montserrat Valls Codina rinde con La caseta daurada un tributo escultorico a la soledad aceptada, querida, buscada; al ser humano que sabe aislarse, encontrarse y enfretarse a si mismo, por lo que posteriormente sabrá compartir, pues sabrá distinguir lo que le es afin a su existencia, de lo superficial y lo impuesto.

Setva Jove se complementa con la obra del artista mejicano Manuel de Cisneros. Debido a las serias dificultades econòmicas en que se encontraba el artista, la obra expuesta está realizada en papel de periódico, donde titulares e informaciones de índole económica de los años 2008, sirven de base a una obra dura, con reminiscencias a Goya y al también mejicano Cuevas, donde una serie de retratos reflejan en diversas, dispares y a veces grotescas expresiones, un futuro incierto y preocupante, no exento de un toque de humor y fina ironía, sin dejar de lado un espíritu crítico hacia nuestro actual entorno, y los problemas que siguen acuciando a la sociedad.

Una obra original especialmente por el formato empleado, paleta muy básica pero adecuada al tipo de trabajo expuesto, y trazo firme. Cisneros ha sabido reflejar con sutil mordacidad la exigua existencia en tiempos de crisis.

EL DIBUJO, UN ÁMBITO EXPOSITIVO DEMASIADO OLVIDADO

L’Associació Sant Lluc per l’art (ASLL) inauguró el pasado, viernes, 3 de septiembre, en la sala de exposiciones del Col·legi d’Aparelladors de Mataró (Plaça Xamar, 2) su temporada de exposiciones, con la segunda edición de Passió pel dibuix (Pasión por el dibujo), donde cinco reconocidos artistas de la ciudad muestran sus trabajos en este ámbito hasta el próximo 10 de octubre.

Albert Alís, Francesc Bas, Joseph M. Codina, Alberto Romero y David Vergés son los artistas invitados en esta ocasión – recordemos que la primera muestra, fueron cinco mujeres quienes ofrecieron sus trabajos- y que utilizando diversas técnicas y temáticas, exhiben en conjunto una obra que para Antoni Luis, presidente de la ASLL “cumple las expectativas”, tal como indicó en su discurso de presentación, a lo que también añadió que: “a los artistas nos mueven las pasiones por el dibujo, sin dejar de lado un principio primordial: el de la cultura. Es necesario crecer como sociedad y como personas”.

En nombre de los artistas, Albert Alís, hizo mención de la desnudez que significa el dibujo, tomando como base la frase de Edgar Degas que ilustra el cartel de la muestra: “El dibujo no es la forma, es la manera de vivir la forma”. Para Alís, “El dibujo es un acto íntimo, tanto que el dibujo es la manera de mostrar la forma”.

ALBERT ALÍS: APUNTES AL NATURAL DE UN MAESTRO

En la muestra, Alís presenta cinco obras: tres de ellas basadas en uno de los símbolos de la ciudad: una nave del Renacimiento llamada Coca, realizados en gran formato, con carboncillo, sanguina y lápiz con acuarela, junto con dos esbozos de la Plaza España de Barcelona y un local de Mataró. En conjunto, su obra destaca por una plena consistencia, con la palabra aplomo como común denominador: dominio en el trazo, en la perspectiva, en el tratamiento, en la selección de conceptos... Es el dibujo por el dibujo, sin defectos... perfecto. Es mucha la experiencia, y muchos también los años de artista y de maestro. Sin ningún género de dudas, la madurez de Alís vive una total plenitud, demostrando firmeza y cohesión en los conocimientos, experimentación y estudio constantes, y espíritu humanista en su obra, lo cual le permite afrontar cualquier reto artístico con extrema solidez.

FRANCESC BAS: EL DESCUBRIMIENTO DE UN GRAN ARTISTA

Habitual durante años de la Col·lectiva Sant Lluc, la obra expuesta de este dibujante y diseñador gráfico, permite descubrir, lamentablemente tarde debido a su fallecimiento, su grandeza artística, con un grupo de trabajos sorprendentes, técnicamente magníficos, adecuados al tema a tratar. En su calidad de artista, y como profesor de la Escola Massana, fue también dado a pruebas y ensayos, resultando los mismos de una gran firmeza, planteando con maestría y brillante ejecución, el retrato dentro de sus más estrictos cánones académicos; el dibujo al natural y el paisajismo, a través de la ligereza y agilidad de una línea, el diseño moderno y vanguardista para portadas de libros – en base a un especial papel couché, y una significativa e interesante abstracción. Todo ello, utilizando pluma, lápiz, rotulador, y realizados en pequeño formato. Un conjunto de obra muy bien seleccionado, diverso y exquisito. Tal como informó el presidente de la Associació Sant Lluc per l’Art, está previsto por la entidad, realizar una antológica de su obra.

JOSEP Ma. CODINA: FAC SIMILE

Desde la primera edición de la bienal Torres Garcia (año 2005), Codina desarrolla una y otra vez, su actual obsesión por las rugosidades del cuerpo, los pliegues de la piel, sus cicatrices... a través del paso del tiempo, y de una particular caligrafía dérmica, demostrativa de la vulnerabilidad de la existencia, sin olvidar sensualidad y connotaciones eróticas, que si bien en aquel certamen, y en su posterior exposición de febrero de 2008 en el Ateneu Caixa Laietana, constituyeron toda una novedad, en el último cuatrimestre del 2010, resulta una temática reiterativa y única, que dentro de la exposición Passió pel dibuix, tiene como diferencia el soporte y la técnica empleadas: pintura acrílica y grafiti (le resulta más moderno al artista que decir lápiz), aplicados a un papel especial procedente de un molino, en formato grande, realizado expresamente para el artista, que con el mismo soporte, ha trabajado con el mismo papel, pero superponiéndolo encima de otro.

ALBERT ROMERO: NEUTRALIDAD

Papel níveo de blancura infinita. Un paisaje urbano y una gran sensación de amplitud, y con la sola presencia de una figura humana. Un pequeño cesto con pan y un retrato femenino cabizbajo. Romero es simple y meticuloso hasta extremos insospechados, y si bien en pintura resuelve a la perfección cualquier temática que se plantee, en el dibujo se muestra distante a la visión del espectador. Trabajando siempre con lápiz, su trazo, más difuminado, da cierta sensación de inseguridad, de falta de firmeza. No se encuentra muy a gusto en el dibujo, como esencia del arte, y su talante, generalmente realista, queda excesivamente neutro. Pero curiosamente, en el conjunto de la exposición, es un contraste que denota un interés del que el espectador no puede huir.

DAVID VERGÉS: ROMPIENDO MOLDES

Los trabajos de Vergés huyen totalmente del que, por norma, se entiende como concepto clásico del dibujo, pues simplemente se ha limitado ha utilizar papel con más de 60 años de antigüedad –a destacar unas cartillas de racionamiento – y transformando el papel (en realidad un documento histórico) en una particular obra, con recortes e insinuantes pliegues y dobleces. Una innovación dentro del dibujo llena de originalidad – aunque alguien pueda calificarlo más de manualidad – que si bien no dispone de trazo, forma o contenido, no deja de sorprender el tratamiento dado, conceptual y de vanguardia. El formato es, lógicamente, pequeño, pero la estructura de obra presentada es imposible que admita otro tipo de medidas.

La obra de Vergés no está en absoluto vacía de significado, sino que va la búsqueda de nuevos conceptos, más allá de marcadas estructuras, con dominio absoluto de la técnica más que de la apariencia.

UNA ATRACTIVA ANTOLÓGICA DEDICADA A SALVADOR PUJOL

Por norma, cuando se presenta una exposición retrospectiva, ésta suele exhibirse en gran formato, y con la magnitud correspondiente, pues según la edad del artista y su trayectoria profesional, la muestra puede ser abrumadora. No obstante, ello no significa forzosamente que el carácter y el interés de la obra expuesta sean grandes, pues la vida artística, como la de todo ser humano, tiene sus altibajos. En más de una ocasión, poca cantidad y bien escogida también permiten formar una digna exposición antológica.

Joan Fàbregas y Daniel Cabrera, los propietarios de Gal-Art, situada en la ronda O’Donnell, 89 de Mataró, http://galeriadearteantiguedadesycolec.blogspot.com/ tienen este concepto muy claro, pues las dimensiones de su galería en un principio, pueden condicionar sus exposiciones, pero en la práctica, permiten escoger con propiedad, atención y calidad. Y así lo han demostrado con Penúltima, una pequeña retrospectiva dedicada a Salvador Pujol, que a sus 79 años, todavía permanece en activo, dentro del mundo del arte local.

Las referencias pictóricas más conocidas de Salvador Pujol, siempre se han centrado en el paisaje, especialmente el natural, gracias a sus viajes a diferentes países. Y si bien hay que reconocer que su paisajismo es extremadamente compacto, de perspectiva y espacio comprimido, utilizando una paleta muy trabajada, demasiado consistente, dando todo ello lugar a la expresión de una obra demasiado teatral, la selección de trabajos que presenta en Penúltima, rehuye en buena medida de esta visión, pues muestra al espectador una obra luminosa, profundamente mediterránea, dando lugar a un paisaje urbano, donde la serenidad y el sosiego fluyen a placer. Su cromatismo juega con tonos suaves y muy cálidos, y como siempre, con un trazo pequeño, cuidado y perfilado.

Sin duda alguna, la obra de Pujol es de fácil observación, sin obstáculos psicológicos ni significaciones ocultas, decorativa y plácida.

Pero si el espectador es curioso, no dejará de observar que la soledad es el común denominador en Penúltima; el de una cashba en Marruecos, una fuente en el paseo del Callao de Mataró, Cala Bona en la Costa Brava, unas barcas varadas, el vacío de unas calles... aunque unos balandros navegan a toda vela en la oscuridad, iluminados por sus propios reflejos.Una exposición que exhibe una obra de diversas épocas, concisa y explícita, bien seleccionada, que, sin olvidar su particular paisajismo, ofrece una imagen de plenitud pictórica, bastante desconocida, permitiendo que el visitante se adentre a la contemplación de la vida, a través del entorno, que no de la existencia humana.