CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN: PÁGINA WEB

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CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN ES AHORA UNA PÁGINA WEB.


http://www.cuadrosdeunaexposicion.com/

LAS NUEVAS CRÍTICAS Y ARTÍCULOS SERÁN PUBLICADOS DIRECTAMENTE EN LA NUEVA DIRECCIÓN.DISEÑO Y RENOVACIÓN PARA CONTENIDOS ARTÍSICOS SIEMPRE INNOVADORES.

ESPERO ECONTRARLES EN LA NUEVA DIRECCIÓN.


UN CORDIAL SALUDO A TODOS

Marta Teixidó

GALERIA D’ART MAR: CUATRO CONCEPTOS DEL FIGURATIVO

El figurativo es uno de los muchos estilos artísticos, que no precisa de especiales conocimientos por parte del visitante a museos o galerías, ni tampoco es necesario profundizar en semánticas psicológicas o subliminales.

Paisajes, marinas, bodegones, desnudos, etc., se ofrecen con total transparencia de significados, pero con absoluta complejidad y precisión en cuanto a la realización.

El GRUPO ESCOLÀ, (www.grup-escola.com), des de hace más de 30 años se fijó como objetivo el dar a conocer exclusivamente a artistas dedicados a la figuración. A través de su GALERIA D’ART MAR (C/ Pau Claris, 20 –Barcelona) presenta hasta el próximo 15 de noviembre, 4 Estrelles, una pequeña colectiva donde Sergio Bosque, José Clauzel, J.A. Garrucho y Rodríguez Lobo proponen sus personales e intransferibles formas de ver la figuración.

SERGIO BOSQUE es quizá el más comercial de los cuatro. Su Cascada de agua o Costa Brava son buenos ejemplos donde la calidad no está reñida con la simplicidad. Pero contemplando el conjunto de obra presentada, se observa con claridad sus grandes dotes técnicas y un sentido artístico indiscutibles con tres de sus trabajos: Agua, (óleo s/tela de 31,5 x 40 cm.), y Passeig de Gràcia (1 y 2), (dibujo en mina de plomo s/ tabla de 80 x 60 cm.) El magnetismo que ejercen estas obras es indiscutible, por su preciosismo, por su laboriosidad, por su cuidado detalle, por su perfecto trazo... La exquisitez extrema es visible y ostensible.

RODRÍGUEZ LOBO muestra a través de su Giralda, Desde Río Grande o Paisaje de San Lucar, una visión más romántica, luminosa y tranquila, casi como si el tiempo hubiera decidido hacer un alto en el camino para admirar el paisaje. Un cromatismo cálido, tenue y delicado. Gran dominio de la perspectiva y perfecta composición. Sus obras, generalmente óleo s/tela en formatos que abarcan desde 26 x 50 cm. a 59,5 x 60 cm. denotan una plácida sensación de serenidad, devolviendo al espectador sensible, el nostálgico recuerdo de olvidados tiempos y la emoción de lejanas memorias.

JOSÉ CLAUZEL, paisajista subyugado por frondosos bosques y valles encantados, convida al visitante a profundizar en si mismo, a través de una pintura de gran belleza y elegancia, de pincelada pequeña y calculada, diáfana luminosidad y precisión en cuanto a composición temática. No exento de cierto halo de misterio, sus obras en óleo s/tela como Fuerza de sus raíces, Pausa en el tiempo o Antes del regreso, en formatos del 61 x 50 al 78 x 78 cm., no dejan de maravillar al espectador por la singular invitación a adentrarse en particulares y sugerentes espesuras.

Finalmente, J.A. GARRUCHO es el más atrevido de las 4 Estrelles. Con su obra el perfeccionismo extremo es relevante e incuestionable: Espectadores Urbanos, o unos Turistas en el Barrio Gótico, ofrece una temática absolutamente original para reflejarla como óleo s/tela. El cuidado detalle tanto en el aspecto urbano como humano, pincel pequeño, paleta de colores brillante y atrevida, en contraste con una espiritual elegancia y sensualidad, en trabajos como Desnudo con mantón de Manila o Sentada mirando al mar. Con formatos entre el 35 x 47,3 al 73 x 60, contrastan sus desnudos con De cuando de los elementos surge Gea (130 x 97cm), Un trabajo más lejano en el tiempo, con tema onírico, con ciertas carencias, pero bien resuelto.

IV EDICIÓN E LA BIENAL DE PINTURA TORRES GARCÍA - CIUTAT DE MATARÓ

La Associació Sant Lluc per l’Art (ASLL) convocó a nivel estatal hace unas semanas, una nueva edición del Premio Torrers García de Pintura – 2011, dotado con un premio único de 9.000 €, y la selección de 40 obras, que formaran parte del catálogo y exhibición que tendrà lugar del 12 de mayo al 27 de julio de 2011 en la sala de exposiciones de Caixa Laietana en Mataró.

El plazo de entrega finaliza el próximo 30 de marzo y el jurado seleccionador está compuesto por: Joan Manuel Bonet, crítico, historiador del arte y poeta, Daniel Giralt-Miracle, historiador, escritor y critico de arte, Arnau Puig, historiador y crítico de arte. Fundador del grupo Dau al set. Francesc Rodón, critico de arte y de literatura. Director del Museu Monjo de Vilassar de Mar, Pilar Velez, doctora y profesora de historia del arte y Antoni Luís, presidente de l’ASLL.

Para consulta de datos adicionales como información sobre normas y características de la obra a presentar, se facilita a continuación el link correspondiente a las Bases del Concurso.

http://www.santlluc.org/IMATGES/BASES%20BIENAL%202011.pdf

SUBASTAS ON LINE: ARTE A PRECIOS COMPETITIVOS

Si bien las galerías y salas de arte proporcionan al comprador la ventaja de ver la obra a adquirir en toda sus dimensiones técnicas y temáticas, las nuevas tecnologías proporcionan ventajas parecidas, aunque la principal sea el anonimato del posible cliente, que puede contemplar la obra, a distancia, incluso con cierto detalle, y con o sin conocimiento del importe de la misma.

Estas últimas características se aprecian especialmente en las subastas vía Internet. ARTINTERNACIONAL.COM (www.artinternacional.com), Subastas on line de Arte y Joyería, puede constituir un buen ejemplo. Desde su apertura, (julio-2010) ha recibido ya más de 5.000 visitas, y dispone de una lista de 500 registros, que va in-crescendo, pues las facilidades técnicas y de confidencialidad de su web, asi como la amplia variedad de oferta de sus artículos ofrece al posible comprador grandes ventajas para la adquisición de arte, a precios realmente muy competitivos.

Al frente de la web, Miquel Torner como coleccionista, Agustí Sabartés con experiencia probada como anticuaro y con funciones de coordinador (perito judicial en arte y antigüedades) (www.peritosdearte.com), Victória Juncosa a cargo de la administración y Pepa Costela en tareas de captación de producto y atención al cliente, trabajan con dedicación e ilusión por impulsar desde esta nueva plataforma, una vía siempre eficaz, muy directa, y de rigor exigente, en base a criterios de profesionalidad y confidencialidad absolutas.

La oferta de artículos como pintura antigua, y dibujos, de los siglos XIX y XX, obra gráfica, joyas, relojes libros, etc., son buena parte de los contenidos que ofrece www.arteinternacional.com, a la que se ha añadido un grupo de lotes económicos, cuyo precios de salida ya es de por si ventajoso. El mecanismo de acceso a los mismos y a la subasta sigue siendo igual de sencillo: sólo es necesario entrar en la web y registrarse para obtener un nombre de usuario y contraseña.

El resto consiste en visitar la web y hacer click en cualquiera de los apartados en que se esté interesado.

Sin duda alguna, en los albores del siglo XXI, gracias a las nuevas tecnologías y a la llamada red de redes, es posible adquirir grandes o pequeñas obras de arte, con discreción, a precios mucho más razonables y con una de las mayores ventajas: durante las 24 horas del día.

JOSÉ LULL – LUZ Y CANDOR DEL MEDITERRÁNEO

Contemplar la obra de José Lull es alejar nuestras mentes de lo cotidiano, para viajar a pueblos y villas de la costa de Levante, especialmente el Mar Menor, donde la luz cromática tiene un significado especial, único, tremendamente cálido, y lleno de matices plenos de candor.
La galería de arte MAR, perteneciente al GRUP ESCOLÀ de Pau Claris, 120 de Barcelona (http://www.grup-escola.com/) expuso hasta el pasado 1 de noviembre la obra del pintor valenciano José Lull.

Nacido en 1933, cursó estudios en la Escuela Superior de Bellas Arte de San Carlos, los cuales completó en las ciudades de Madrid, París, Munich y Amsterdam. Distinguido entre otros premios como académico con medalla de oro en la Academia de las Artes, las Letras y las Ciencias de Italia, la obra de este artista valenciano es un canto a la nostalgia, a una infancia muy distinta de la actual, donde la inocencia mezclada con cierta argucia, ofrece unas imágenes de gran ternura.

Con una brillante y exquisita utilización de la paleta, pincelada meticulosa y precisa, equilibro y calculada disposición de la perspectiva y el espacio, el visitante ocasional no aprecia estos detalles, pero sin lugar a dudas, se deja seducir por los “angelicales” monaguillos, tremendamente vivaces y picaros, realizando mil y una pillerías en un entorno rústico e idílico, existente tan sólo en la lejanía de los recuerdos, o en imágenes de viejas películas.

Monaguillos con sotana roja, pertenecientes al coro y la peculiaridad de las ya desaparecidas wambas de color azul, paisajes cálidos, llenos de color, imágenes de bella inocencia infantil y escenas de campo, llenas de la fuerza de la Naturaleza. Escenas entrañables, demasiado idealizadas, para algunos, tal vez “de postal”, pero para otros, memoria lejana de un mundo perdido.

FERNANDO ALDAY: CREATIVIDA LITERARIA

El título del artículo no pretende dar confusión. El papel y los libros constituyen el material básico para la creación de Fernando Alday, que hasta el pasado 30 de octubre exponía su obra en la galería JORDI BARNADAS - Consell de Cent, 347 – de Barcelona (http://www.barnadas.com/).

Con Instinto sobre el Lienzo, el artista invita inmediatamente al espectador a la critica más ácida, al utilizar las páginas y tapas de los libros, al igual que papeles antiguos de más de 150 años como base para sus collages, donde su expresión temática es de una absoluta simplicidad.

Para bibliotecarios de pro o aficionados a la literatura, puede suponer un “sacrilegio”. El consuelo puede ser, que Alday ha preferido el arte al contenedor de papel.

Interesado por la cotidianidad y a buen seguro amante de los animales, el artista chileno, nacido en 1959 y residente en Barcelona des de 1990, ofrece con Il grande gioco o Diàlegs nocturns un trabajo de excelente manufactura, curioso, original y cotidiano a la vez: un grupo de perros en actitud aparentemente tranquila, pero sin olvidar un toque de alerta. La transformación del papel a una especial calidad de pintura.

Ejecutando su obra en variedad de formatos (del 38 x 61 al 114 x 95 cm.) y principalmente, utilizando la técnica mixta y collage, Alday ofrece con La ciudad de Dios o Vermell en Llibres, un interesante uso de las portadas de libros, cuya distribución geométrica, con claras referencias a Mondriani, en cuanto a su idea, que no resolución, atrae al espectador, que no puede evitar entretenerse en leer los títulos de los libros, y evidentemente, siente curiosidad por los pequeños recortes de papel – rotos a mano – para averiguar algo más de su procedencia.

Sin duda alguna, Fernando Alday muestra una obra singular, donde el color, escaso pero bien utilizado, es la materia de los libros y escritos, lo cual tiene una importante atracción visual. Viatge Interior, un particular mapamundi, con lejanas connotaciones a los mapas realizados por Abraham Cresques, el reconocido maestro cartógrafo judío del siglo XV, introduce al visitante a la geografía universal, con una mirada personal y critica.
Una exposición con dominio absoluto del paisaje urbano, austera, serena y con ciertas dosis de nostalgia.

GALERIA GOTHSLAND: EXPONENTES DEL MODERNISMO

No podía ser de otro modo. Los titulares del Museu del Modernisme Cátala (MMCAT), institución de la que Cuadros de publicó hace unas semanas un artículo, fieles al valor del Modernismo como sentimiento de expresión artística, y como documento permanente de una época de esplendor única e irrepetible, en la Barcelona de principios de siglo XX, exhiben en la sala de exposiciones de su propiedad, – GOTHSLAND, denominación procedente de la época carolingia, cuando los francos germánicos eran dominadores del territorio catalán, llamándolo “Tierra de Godos” - un conjunto obras de maestros como Marqués Puig, Josep Cusachs, Vila Arrufat, Joan Cardona Lladés, esculturas de Enric Clarasó o dibujos de Francesc Jimeno, sin olvidar a Eliseu Meifren, Lluís Grané o Ramon Casas.

La obra expuesta, en si misma, ya forma un pequeño museo, y casi podría considerarse una exposición temporal de la colección permanente del MMCAT, (www.mmcat.cat). Tal como nos comentaba Fernando Pinós hijo, en más de una ocasión, la pasión por el museo puede ser un fuerte condicionante para la venta de algunas de las obras que se exhiben en GOTHSLAND.

Así el visitante no puede evitar quedar prácticamente extasiado ante la obra de J.M. Marqués Puig, una muchacha adormilada donde destaca tanto por su naturalidad la expresión de su rostro, como la meticulosidad exquisita de los pliegues de la colcha, de la puntilla de la almohada, la hermosa luz que rodea la estancia, gracias a una magnifica ventana abierta y fondo de paisaje urbano. Una bella obra, llena de esplendor, al igual que el retrato de una dama de Ramon Casas. Sobrio, elegante, distinguido, regalo de bodas del pintor a la protagonista del retrato.

Todas las obras expuestas son oleo/ sobre tela, en distintos formatos. Destaca por su interés y contraste con lo comentado: Joan Cardona Lladés y su “Camino de la Feria”; un cuadro costumbrista, lleno vitalidad, pinceladas minuciosas y gama de colores llamativa, que recuerda a los personajes populares de J. Sorolla para la Hispanic Society. A diferencia de este artista, Cardona utiliza el detalle de los vestidos de las mujeres, con hermosas flores y dibujos estampados, en contraste con las mantas de los hombres, al igual que la expresión de sus rostros; alegres en las muchachas y picaros en los hombres.

La uniformidad de Josep Cusachs y sus pintura militar: austera, estratégica con un tratamiento de la luz y el color donde la nitidez es extrema y soldados y caballos destacan en perfecto equilibrio y perspectiva.

Se podrían añadir muchos más comentarios, observaciones, opiniones... La delicadez en la escultura de Clarasó, las pinceladas sueltas y los tonos amables de Meifrén, la exaltación a la naturaleza de Joaquim Mir...pero muchos lo han expresado con anterioridad, y des de Cuadros tan solo reafirmamos con pasión y convencimiento la BELLEZA sin igual de una época lejana pero no olvidada, gracias a la galería GOTHSLAND, c/ Consell de Cent, 331 de Barcelona (www.gothsland.com)

RIERA Y ARAGÓ: UN SUBYUGANTE VIAJE A UNIVERSOS SUMERGIDOS

Zambullirse en las profundidades de atávicos abismos personales, puede constituir un apasionante y vibrante travesía, no exenta de tortuosas direcciones y desconocidos anhelos.

Invitando al espectador a un particular “viaje al fondo del mar”, donde el submarino es progatonista indiscutible, el escultor Josep Maria Riera i Aragó (Barcelona, 1954), expone su obra más reciente: 6.684 en la galería JOAN PRATS ART GRÀFIC de la Ciudad Condal (C/ Balmes, 54) (www.joanprats-artgrafic.com).

Si bien la imagen del submarino se nos muestra cerrada y asfixiante - tal vez demasiado cinematográfica para el común de los mortales – y siempre relacionada con el entorno bélico, como creación mecánica y electrónica del Hombre, permite al mismo alcanzar profundidades desconocidas y descubrir entornos abismales, en nombre de la ciencia.

No obstante, resulta sorprendente ver al batiscafo como objeto de arte y como protagonista de una exposición, invitando al visitante a la propia investigación científica de su ser, de su mente, de su intimidad, de lo que pueda resultar angustioso, o tal vez maravilloso dentro de un hermoso, fascinante y bello entorno, donde el silencio es constante, el misterio absoluto y la soledad abrumadora.

Riera i Aragó juega indiscutiblemente con la imaginación y la ilusión óptica del espectador, utilizando para ello materiales como el acero, el zamac pintado, el latón y el plomo, en base a un intensísimo color verde-mar. A través obras como Colors 2 U (colores 2 U) , Cornelis o El país de les meravelles (El país de las maravillas), el juego cromático de los pequeños íctineos y su colocación vertical, ofrece una visión virtual de constante movimiento, dentro de una realidad escultural inmóvil, curiosamente dando vida a una inmensa masa de pequeños submarinos, símbolo de un todo cohesionado.

Pero dentro del particular océano de paredes blancas de la sala de exposiciones, destacan por sus fondos metalizados en verde mar: Caixa de mar (Caja de mar) I, II y III), donde la pequeñez del submarino, nos desvela al ser humano sólo y tal vez vacío en medio de las masas de agua - en realidad en un sentido metafórico - de hermosa visión intangible e inalcanzable por el hombre como ser, lo cual le lleva a una claustrofóbica existencia, tal como muestra: Caixa de mar amb submarí (Caja de mar con submarino).

Informa la nota de prensa de la galería JOAN PRATS ART GRÀFIC: 6684, es la cifra real de submarinos utilizados para esta esta exposición, la cual ya se gestó en 2007 con la pieza Orange submarine. Tres años después, el resultado es una exposición extraña y casi magnética, reflexiva, sugerente, penetrante y sin duda iconográfica.

VISIÓN ORIENTAL DEL REALISMO OCCIDENTAL

Des de mediados de abril de 1958 que la ciudad de Mataró no acoge la presencia de un pintor procedente de Extremo Oriente. En aquella ocasión, las instalaciones del entonces llamado Museo Municipal, exhibieron la obra de: Shü Pao-Lin, un artista arraigado en la más profunda de las tradiciones, las cuales dictaminaban que el arte en la pintura china se manifiesta a través de lo Simbólico, lo sentimental y lo alegórico. Unos meses antes, otro artista había visitado también de forma temporal la capital del Maresme: Nsiao Chin.

Han pasado 52 años de aquella fecha. Y de nuevo Oriente posa su mirada en Mataró, en esta ocasión de forma permanente. Sin embargo, la modernidad de los tiempos se impone: de la tradición ancestral al realismo más contemporáneo, con mirada oriental.

La sala de exposiciones del COL·LEGI D’APARELLADORS DE MATARÓ, (Plaça Can Xammar, 2) expone des del pasado 15 de octubre y hasta mediados de noviembre la obra de la japonesa Keiko Ogawa, gracias a dos conocidos artistas del realismo pictórico de la ciudad: Alberto Romero y Ana García, y bajo la coordinación de Teresa Roig, comisaría de las exposiciones de l’Associació Sant Lluc per l’Art.

Antoni Luis, presidente de l’ASLL, destacó en su discurso de presentación, los tópicos que como europeos conocemos del Japón: el Ikewana, la Caligrafía, pintores como Hokusai, el Manga o los japoneses visitando y fotografiando la Sagrada Familia. A pesar de los arquetipos señalados, reconoció que: “El arte japonés no es indiferente. Recrea la realidad (...) Y Keiko, cuando decidió viajar a Europa, llevaba la sensibilidad propia de su país en la maleta, con colores, trazos y dibujos que no tienen fronteras”.

Y efectivamente, la obra de Keiko Ogawa, una figuración en base a un sorprendente Realismo, es un maravilloso canto al respeto por los ancianos, por el entorno, por las personas, por los animales, por lo que la Naturaleza aporta a la vida del ser humano, quien no sabe valorarlo, pero que desde Oriente es venerado.

La luminosidad en el uso cromático es de una sensibilidad exquisita, natural, suave y llena de candor. El pincel es firme y de extremada meticulosidad. Excelente uso del material – mixta sobre tela y en distintos formatos – y magnífico domino de la composición. Obra equilibrada, sin agresividad, muy estudiada en cuanto a perspectiva, espacio y volumen y también muy intimista, no por la utilización de los espacios, sino por el hecho de mostrar su entorno personal, dentro de una temática absolutamente cotidiana, simple pero expresando serenidad y espiritualidad. No hay artificios ni detalles explícitos, pero toda la obra está envuelta de sentimientos y emociones constantes.

Títulos como: El estudio de Koichi, El desayuno, Pepe, Duc, etc., muestran una concepción oriental de la observación de la vida diaria. Su naturalidad es absoluta, pero expresada a través de una con profunda delicadeza. Limones, Higos, Setas, Peras o Fresas... frutos tan a nuestro alcance pero transformados en etérea dulzura, gracias al esmerado trazo de Ogawa. Sin embargo, en el contexto de la exposición, una obra sale del mismo: Jalan Sehala. Atrapa de forma inmediata al espectador por la expresión de la figura femenina, dentro de un paisaje urbano de una población oriental. La búsqueda es incesante, la decisión necesaria, todo ello, no exento de expectativa ante la coyuntura de encontrarse perdida.

Una muestra mucho más allá del interés pictórico, debida a la visión cultural que aporta; un mundo occidental, que cuestiona en exceso tradiciones básicas como la familia, la amistad y el respeto, pero que desde Japón, país de contrastes entre la tradición y la tecnología, se mantiene constante e inalterable.

EL VINILO COMO PROTAGONISTA ARTÍSTICO

Encontrar propuestas originales e impactantes en el mundo del arte, es tarea ardua y en demasiadas ocasiones los resultados no son los esperados. No obstante, no dejan de surgir curiosas formas de expresión artística, que si bien no alcanzan grandes cotas de genialidad, si demuestran imaginación y voluntad de innovar. En este aspecto, desde hace dos años, estamentos oficiales y galeristas se han puesto de acuerdo para actuar conjuntamente y promocionar la creatividad de nuevos valores.

La Generalitat de Catalunya, a través del Institut Català d’Indústries Culturals, ofrece hasta el próximo 30 de octubre Tardor Art-2010 – Vinil (www.tardorart.com). Una iniciativa impulsada por el sector de los galeristas de Cataluña, con el fin de acercar las galerías a la ciudadanía de a pie.

Posiblemente, para los amantes recalcitrantes del vinilo, del ritual que representa sacar el disco de su funda, limpiarlo, ponerlo en la platina y bajar la aguja para escuchar con nitidez precaria pero nostalgia absoluta, viejas canciones o piezas musicales a 33 o 45 revoluciones por minuto, pueda resultar inconcebible que esos discos de antaño, debidamente manipulados, sean los protagonistas de esculturas o montajes artísticos.

No obstante, tal como indica Magda Polo Pujadas, doctora en Filosofía del arte por la Universidad de Barcelona, en el prólogo del catálogo editado: “Tardor art 2010 pretende, en cierto modo, jugar con el vinilo, liberar la música del vinilo para transformarla, en una mirada nueva, en nueva obra de arte, en música y no música”. Y este concepto es sin duda singular y atractivo.

SETBA ZONA D’ART (www.setba.net) se ha adherido a esta propuesta, y en su espacio de la Plaça Reial, 10 ofrece la obra de Pep Camps Tons. Una obra que juega con la vertiente musical y cromática del nombre, mostrándonos un conjunto de discos de vinilo de los llamados “Long Play” circundados por una leve capa de color, rindiendo de esta forma un escultórico culto al disco.

Revisando el catálogo, de excelente presentación y magníficas fotografías, se encuentran propuestas que van de lo clásico a lo más vanguardista, pasando por la extravagancia, el impacto, la curiosidad, la abstracción, el minimalismo y cualquier adjetivo o estilo que se quiera aplicar.
A título de ejemplo, la galería TUSSET (Muntaner 187-bis de Barcelona) ofrece una obra de Campistron, The Beatles (técnica mixta s/madera), donde el actual olvido del mito musical, y de la época que representó, se hace presente, a través de la disolución del vinilo. En la SALA RUSIÑOL de Sant Cugat del Vallés, expone una obra de Vives Fierro Vinil, (Collage s/tela), tributo al mismo y en particular a las caratulas, en una visión no exenta de nostalgia.

ROSER NOGUERA, como titular de su galería de Sant Just Desvern, exhibe una universal y hermosa visión del mundo a través de la Música (óleo s/tela). ISEMES, galeria d’art nos propone a través de Gabriel Pérez Bolañó y su tondo Vinilatans (óleo s/tela) una expresionista visión de la música, pero especialmente de los músicos, gracias a un sensacional dominio de la técnica.

ATELIER, situada en la plaza Rovira i Trias 9 de Barcelona, muestra: L’árbre de la nostàlgia, una instalación sonora de Marie France Veyrat, llena de vitalidad y color y movimiento, en un indiscutible homenaje al vinilo por el vinilo, utilizando para ello los formatos tanto de los discos grabados en 33 rpm (pequeño) como los LP (grande) a 45 rpm.

Aunque las propuestas son muchas, es interesante mencionar también a las galerías A.CORTINA y AGORA, de Barcelona (C/ Valencia, 248) y Sitges, respectivamente. La primera de ellas exhibe Imperfect dark roots of the outer invertebrates, realizada por Trensing, donde a través de vinilos encolados consigue una esférica escultura subyugante, en imitación a los arbustos de la naturaleza, que sin duda atrapa al espectador por su extrañeza y tal vez cierto alo de misterio.

La segunda, Réquiem (técnica mixta sobre vinilo y madera), de Frank Jensen, basado en la grabación en vinilo de la obra de Gabriel Fauré, es un trabajo de complejo e intrigante significado, con toques místicos, todo ello en base a una simple, presentación, donde colores y material tienen también un papel predominante.

Tardor Art-2010: Vinil es un proyecto lleno de interés y expectativas para los galeristas, 70 en esta edición, de los que, como muestra, han sido seleccionados tan sólo unos cuantos para este artículo, casi al azar. El resto puede ser visitado en (www.tardorart.com). Las galerías de arte, concebidas como negocios dedicados a potenciar el arte y a los artistas, y por lo tanto, miembros activos de la sociedad civil, generadora de actividad e impuestos, se les facilita un elemento común, que cada una acoge según sus criterios y condicionantes, mientras la Generalitat de Catalunya, a través del Institut Català de les Indústries Culturals, actúa como simple nexo de unión, sin intervencionismos declarados ni apoyos definidos.

Es del todo deseable que el propósito continúe – las perspectivas electorales de finales de noviembre pueden motivar cambios importantes – y sean más las galerías que se adhieran al mismo, a fin de motivar y reactivar el arte en su faceta más mercantil, sin abandonar nunca sus cimientos humanísticos.

FUNDACIÓN ALORDA-DERKSEN: UNA GRAN APUESTA POR EL ARTE CONTEMPORÁNEO INTERNACIONAL

Desplazarse desde Barcelona hasta Madrid, Bilbao o Valencia para contemplar exposiciones de los grandes clásicos, procedentes de las mejores colecciones y pinacotecas del mundo, es en la actualidad fácil e incluso podría decirse que asequible.

Y cuando se desea estar a la expectativa de la actualidad y tendencias del arte contemporáneo o de vanguardia más internacional, el desplazamiento es necesario a ciudades como París, Londres, Nueva York o Berlín, la actual capital cultural del mundo. Pero que sea necesario no quiere decir obligatorio; desde hace más de dos años, Barcelona dispone de uno de los espacios culturalmente más innovadores con respecto a las nuevas tendencias artísticas. La FUNDACIÓN ALORDA-DERKSEN (www.fundacionad.com), una entidad privada, sin ánimo de lucro, patrocinada por la firma de muebles de jardinería y terraza KETTAL, sita en la calle Aragón, 314 pral. (Esquina c/ Bruc) de Barcelona ofrece un magnífico conjunto de las firmas internacionales de más prestigio, procedentes la colección particular del matrimonio formado por Manuel Alorda y Hanneke Derksen: Damien Hirst, Takashi Murakami, Gabriel Orozco, Anselm Kiefer, Dzine, Jaume Plensa, Peter Halley, Imi Knoebel, Anish Kapoor, Daniel Canogar, John Chamberlin, etc., etc.

Cuando en Agnolo Bronzino pintó en la corte de Francisco I, a mediados del siglo XVI, su famosa Alegoría, esta obra nos da mucha información sobre una sociedad cortesana, refinada intelectualmente, quizás incluso hastiada, que gustaba de acertijos y adivinanzas y que inventaba sofisticados juegos por medio del arte.

A principios del siglo XXI, el arte contemporáneo permite al espectador adoptar una actitud muy parecida la descrita anteriormente, puesto que obliga a tener conocimientos en arte y estar al día de todas las innovaciones, con el fin comprender la especial significación de las obras expuestas, poco corriente y extraordinariamente atractiva. Naturalmente, el visitante puede aplicar su propio criterio de comprensión, pero es absolutamente recomendable dejarse conducir por Sheila Majuelos, quien tiene a su cargo el control y las visitas guiadas a la sala, cuyo horario es: miércoles, viernes y sábados a las 12'00.

La extraordinaria luz, especialmente la diurna, que impregna todo el espacio, llama poderosamente la atención, permitiendo, a través del blanco de techo y paredes, el realce de cada obra, creando un conjunto armónico y equilibrado, sin que ello desmerezca en absoluto la individualidad de las creaciones expuestas.

Lo primero que atrapa al visitante experto y al espectador ocasional son los trabajos de Damien Hirst, quien se siente enormemente atraído por el hecho de la llegada a la vida o la transfiguración en la muerte. Sus cuadros hiperrealistas donde juega con la ilusión óptica del lejos/cerca (se cree estar viendo una fotografía, pero al acercarse se comprueba la magnífica calidad de composición con meticulosidad de pincelada, veracidad cromática y equilibrio de contenidos) referentes al nacimiento de su hijo, sin lugar a dudas, son absolutamente perfectos, contrastando significativamente con los tondos, uno en fondo oscuro y otro en banco, plagados ambos de mariposas, en perfecto estado de conservación e indudablemente sin vida. Another beautiful night y Puritan resectivamente. El conjunto se complemente con una magnífica escultura de Jaume Plensa, en acero sin pulir, en posición reclinada. Una obra dedicada a César Vallejo.

Interesante y subliminal resulta la obra expuesta del mexicano Gabriel Orozco, donde un juego de formas esféricas, en base a una paleta de cuatro colores: blanco, violáceo rojo y dorado, muestra en realidad el movimiento que hace el caballo en un tablero de ajedrez. Casi enfrente, la obra de John Chamberlin ofrece una viva muestra de colores y abstracción de formas. Su Fog Rivets, es una escultura realizada con material de desecho, especialmente de automóviles.

Dzine y su Barrio Dreams, en el que un triciclo, medio de transporte muy popular entre los llamados “chicanos” de la capital del estado de Illinois-EE.UU, Chicago, ha sido convertido en vehículo de lujo, sin utilidad alguna, pero de estética arrolladora, con el fin de significar el deseo imperturbable de huir del imperio de la pobreza.

Llama tremendamente la atención la obra de Imi Knoebel, por ser fiel a las influencias de la Bauhaus, componiendo una obra a través de planos de color, jugando con el vacío, a través de la neutralidad del blanco. Una propuesta audaz e innovadora por la extraña combinación de pintura y escultura.

Peter Halley y su The word is not enough, un título entresacado de uno de los filmes más recientes de la serie James Bond, que el artista utiliza para simbolizar la particular cárcel a la que está sometido el ser humano, plagada de incontables celdas, pintadas en brillantes y luminosos colores, pero que encierran y cortan el pensamiento y la libertad del Hombre, a través de un puzzle donde las pequeñas piezas forman un todo más grande.

El misticismo también tiene su espacio en la colección Alorda-Derksen: Anish Kapoor ofrece una visión extremadamente sencilla del hecho evolutivo del ser humano, a través de formas suavemente ovaladas, pulidas hasta el extremo, dentro de un contexto rocoso. Muy cerca, una obra de Jason Martin, realizada con un enormes pinceles fabricados por el mismo, que proporcionan a través de formas onduladas, sensación de poder y dominio. La textura de la obra imita al vinilo.

Varios nombres quedan en el tintero, con el fin de dejar abierta la ventana de la curiosidad: Franz West, Daniel Canogar, Takashi Murakami y su especial homenaje a Van Gogh, Tim Noble & Sue Webster. Pero sin duda, la obra de Anselm Kiefer The secret Life of the plants, merece ser comentada por la complejidad que entraña. Realizada con ramas, yeso, cable y planos s/lienzo A través de la configuración de la constelación de León, e indicando la numeración dada a las estrellas, Kiefer trata de forma iconoclasta sus particulares opiniones políticas, con respecto a las tragedias humanas, especialmente las surgidas a causa de la II Guerra Mundial.

El conjunto de obras de arte contemporáneo internacional de la FUNDACIÓN ALORDA-DERKSEN, es un concepto único en Barcelona. La posibilidad de contemplar obras de artistas de ámbito mundial, de prestigio y calidad reconocidos, y pertenecientes a la más adelantada de las vanguardias, adquiridas como colección privada y ofrecidas a la Ciudad Condal, en base a un mecenazgo bien entendido, y como consecuencia, sin ningún interés ni apoyo por parte de las instituciones, y compartiendo el criterio de universalidad absoluta de aportación patrimonial a nivel cultural y artístico, es una gran apuesta de futuro, en la más vigente de las realidades.

HORARIO DE VISITAS: Miércoles y viernes, de 10 a 13 h. y de 16 a 19 h.

Sábados: de 10 a 14 h. y de 16 a 20 horas.

LA GRANDEZA DE LA HISTORIETA Y DEL DIBUJO, EN PEQUEÑO FORMATO

Demasiado acostumbrados a ver arte en grandes dimensiones, y siendo el tamaño 30 x 30 cm., la medida reducida más habitual, no se suele dar a la pequeñez de un papel de 6 x 9 cm., la grandeza que le corresponde, aun cuando el artista sea de reconocido prestigio, a pesar del tiempo transcurrido.

Ricard Opisso (Tarragona, 1880-Barcelona 1966), pintor, dibujante y caricaturista es un buen ejemplo de lo anteriormente expuesto. La galería FRANCESC MESTRE ART de la calle Enric Granados, 28 de Barcelona, expone des del pasado 1 de octubre: Ricard Opisso, Entre París y Barcelona, una colección de pequeños pasteles, realizados en Paris, alrededor de 1901, algunos en formatos de 6 x 9 cm. En agunos de estos dibujos, el artista llegó al extremo de realizar varios de sus apuntes en papeles ya utilizados.

La muestra, mucho más extensa, también exhibe ilustraciones e historietas plagadas de un sutil erotismo, adjetivadas de forma habitual con la palabra “picantes”, y se complementa con documentación biográfica.

La exposición apenas permite entretenerse en algunas de las frases, pues el alcance artístico de Ricard Opisso sobrepasa el texto. El visitante no dejará de observar un dibujo fresco y vitalista con generosas dosis de sentido del humor. Opisso, quien empezó su vida laboral en el taller del genial arquitecto Antoni Gaudí, y que en el año 1896, avalado por el mismo arquitecto, entró a formar parte del entonces prestigioso “Cercle Artístic Sant Lluch”, también dominaba el lápiz y el color con elegancia y distinción, tal como puede observarse en: El café de la Opera, una obra en 6 x 9 cm, realizada en lápiz negro y colores s/papel. Un soporte vulgar y sencillo, pero que muestra con nitidez absoluta la técnica, la ductilidad, el buen gusto y su admiración por las mujeres de la época... El genio de un artista en la pequeñez de un papel.

Los dibujos de Ricard Opisso son inconfundibles, únicos y sin lugar a dudas, bellos, incluso cuando ilustran “picantes” historietas: Almanaque KDT (Plumín y tinta china s/papel – 34,5 x 25,3 cm.) o La visita del Militar o El Tocador (tinta s/papel).

Si bien como caricaturista es crítico y caústico, atrevido y tremenendamente expresivo – des del 1919 y hasta su fallecimiento, no dejó de colaborar activamente con el TBO, faceta por la cual es popularmente conocido – como dibujante o como pintor muestra señorío y distinción, equilibrio y sobriedad en cualquier formato: Dos Damas (lápiz, pastel y gauche s/cartulina en 9 x 6,5 cm), o Picnic (acuarela s/papel en 30 x 36,2 cm).

Fascinado y contemplativo con el sexo femenino, no deja de ser buen observador de la vida cotidiana: La compra del xai (La compra del cordero) (tinta y acuarela s/papel en 19 x 20 cm), obra esta que recuerda a la llamada “Col·lecció Patufet”, de la que fue colaborador en 1908.

Algunos de los dibujos que exhibe la muestra fueron firmados como “Bigre”, seudónimo éste que utilizaba en sus colaboraciones con la revista satírica “Papitu” o el “Almanaque KDT”, “Galanteries”, etc.

Describir la inteligencia e inspiración de Ricard Opisso en los albores del siglo XXI no es ningún mérito, pues su obra conservada hasta la fecha de hoy, se expresa por si misma. Un ARTISTA nunca muere, mientras se le recuerde. Y por fortuna, gracias a la galería FRANCESC MESTRE ART, hay ocasión de revisar trabajos como: La Llotja (El palco) (lápiz pastel y tinta s/cartulina – 8,5 x 5,5 cm.), Las modistas (lápiz negro y color s/papel en 9 x 6 cm.), La virtut de la dona (La virtud de la mujer) (tinta s/papel 42 x 58 cm), las viñetas de Lucio Alpostón del TBO, o algunos documentos tan curiosos como su pasaporte, expedido en el año 1936, y del que un par de sus páginas fueron utilizadas para realizar algunos dibujos.

Una exposición única donde el visitante atento, el dibujante curioso, el coleccionista empedernido y el artista de renombre sin duda, no dejarán de aprender, reconocer y recordar.

JENS JENSEN: SENSACIONES OTOÑALES

Apostar por el arte contemporáneo internacional en tiempos de crisis es, sin lugar a dudas, un riesgo constante aunque no exento de emoción, dentro del actual contexto de futuro indeterminado, lo que conlleva a clientes y coleccionistas a tomar una actitud conservadora, decantándose por tendencias clásicas, antes que arriesgarse a nuevas orientaciones artísticas.

Pero dentro de la contemporaneidad y de una estricta vanguardia, existen valores artísticos sólidos, con alto nivel de calidad e innovación absolutas.

La JEAN PAUL PERRIER ART GALLERY (www.jeanpaulperrier.com) tiene claro este segundo concepto, y reta al público en su espacio de la calle México, 5 de Barcelona, con la exposición: Hojas de Otoño donde Jens Jensen (Frankfurt, 1940) exhibe grabados, fotografías y acrílicos.

Jensen es un artista polifacético, con un gran sentido de la composición en todas sus obras, con independencia del soporte utilizado, y siempre en gran formato (100 x 140, 100 x 98 o 180 x 120 cm.) Con sus series de grabados en técnica aguafuerte O.T, realizados con destacable profundidad, la retina del espectador capta con inmediatez absoluta, el movimiento constante a través de una composición, donde la mecánica, imitando a la Naturaleza en un engranaje perfecto, sugiere esas singulares Hojas de Otoño, en un ámbito casi astronómico. Un particular cosmos donde una paleta de azules cobaltos, violáceos, verdes, ocres, grises y tonos oxidados, dan sentido sobre fondo blanco, al evolucionar de las estaciones, al correr del tiempo, la solidez y experiencia que ello aporta en el trascurso de la vida.

Sus Tondos (también aguafuertes) y en la misma gama de color, presentan gracias a la redondez de su formato, una percepción de exclusiva universalidad, simbolizando el centro blanco, el ser humano en si mismo y su capacidad de creación, no en imitación divina, sino facultado por el intelecto y el humanismo. Sugerentes constelaciones en esferas de carácter metálico, expanden modulaciones de luz, surgidas del tratamiento cromático.

Sus acrílicos s/tela, bajo el nombre de Fila, (50 x 50 cm), llenos de gruesas capas de pintura, en clara referencia a Pollock, moldeadas a placer, ofrecen una suave y espesa alfombra llena de vistosas manchas de color, en aterciopeladas tonalidades reflejando un otoño pictórico denso e intenso, melancólico y apacible.

En contraste, la serenidad y reflexión en sus fotografías de nitidez exquisita, luminosidad otoñal extrema, en un gris entorno urbano y paisajístico, encuadre preciso y momento único. Hojas en el suelo, solitarias, casi sin vida, perpetuadas a través del objetivo fotográfico, en un arranque de espectacular protagonismo.

Una exposición plácida, agradable, introspectiva, con leves toques de nostalgia, y sin parar en el tiempo, todo ello surgido de la tranquila, afable e inteligente personalidad de Jens Jensen, quien a partir del próximo 5 de noviembre expondrá en la Mendelson Gallery de Pittsburg, Pennnsylvania (EE.UU), con quien la Jean Paul Perrier Art Gallery ha realizado conjuntamente el magnífico catálogo de la muestra.

MUSEU DEL MODERNISME CATALÀ: UN FASCIANTE RETORNO AL PASADO

Si se es sensible al arte, si se ama el ARTE, si las emociones quedan sublimadas a la contemplación de la BELLEZA, al reencuentro con lo más espiritual y hermoso del ser humano, a extasiarse con la obra de los ARTISTAS, sólo tiene una explicación: estar irremediablemente atrapado por la fascinación del ideal.

Y ese ideal se ha convertido en una realidad llamada MUSEU DEL MODERNISME CATALÀ (MMCAT) - Museo del Modernismo Catalán- (www.mmcat.cat). Situado en el número 48 de la calle Balmes de Barcelona, se halla establecido en un antiguo edificio, proyectado por Enric Sagnier entre 1902 y 1904, y por encargo de Joan Josep Bertrand, siendo su finalidad, la de almacén de distribución textil de Fabra & Coats, fabricantes de hilo para bordados y confección.

Perfectamente restaurado y acondicionado, acoge en sus 1000 mts. 2, una colección de las más bellas piezas que haya producido la Cataluña artística de principios de siglo XX, gracias al tesón y el afán coleccionista, durante más de 40 años, de Fernando Pinós y María Guirao, que a principios de marzo del 2010 inauguraron este espacio sin ningún tipo de apoyo institucional, siguiendo así las pautas marcadas por los auténticos mecenas, amantes del arte, que exponían sus recursos económicos en aras del patrimonio histórico y cultural de la ciudad.

La esencia y el espíritu de este movimiento, fue el que inspiró a ambos a finales de los años 70, a crear Gothsland, una galería de arte situada en la calle Consell de Cent, 331 de Barcelona, cuyos inicios se remontan a una tienda de antigüedades de la calle Aragón, cerca del conocido mercado Els Encants.

El Modernismo, o Art Nouveu, fue un movimiento artístico que tuvo lugar entre 1880 y 1930, gracias a una pujante burguesía, culta y sensible al arte, que quiso hacer notar su status y condición a través de esta forma de expresión, y de una nueva concepción de la sociedad. Fue Cataluña y más concretamente Barcelona donde alcanzó su máximo esplendor, a través de una diferenciada personalidad, desarrollando nuevos conceptos artísticos y arquitectónicos basados en la Naturaleza, y en la idealización de un entorno degradado por la revolución industrial.

Entrar en el MMCAT es retornar al pasado y adentrarse en una de las más bellas épocas de la capital Catalana. Descubrir un ideal femenino, demasiado alejado en el tiempo para ser reflejo de la mujer actual, pero que artistas como Joan Brull Vinyoles, Gaspar Camps i Junyent o Ramon Borrell i Pla, han perpetuado en la historia, con sensibilidad exquisita y sublime refinamiento, en magníficos oleos s/tela como: Adelphas, Primavera, Verano, Otoño e Invierno o La Primera feina.

La intensidad, la fuerza y la belleza de los paisajes d’Eliseu Meifren (Cadaqués-Nocturn), el esplendor cromático y brillantez de Joaquim Mir con Sant Genís dels Aiguadells i La sèquia comtal o el misterioso romanticismo de Modest Urgell (Tempesta y Paissatge), obras todas ellas realizadas en oleo s/tela, al igual que los glamurosos y subyugantes Anónimos donde dos elegantes damas posan ante unos maravillosos y delicados jardines. Naturalmente, nombres como Santiago Rusiñol, Roman Rivera, Antoni Utrillo, Joan Llimona o Josep Cusachs, etc., se encuentran presentes en este museo, que no tan sólo ofrece obras pictóricas, sino magníficas piezas de marquetería, mobiliario como sillones, sillas, biombos, arquetas, espejos o plafones decorativos realizados en mosaico, porcelana y cerámica por nombres tan importantes como el arquitecto Josep Puig i Cadafalch, el ebanista Gaspar Homar Mesquida, o el también el mundialmente reconocido arquitecto Antoni Guadí.

Sin duda, también constituyen magníficas piezas de creatividad los bustos y esculturas de Enric Clarasó Daudi (Desconsol, Repòs) realizadas en mármol, o Ferit, en terracota policromada. Josep Llimona con obras como Desconsol, Maternitat, Insomni, Ingenua, también en mármol ofrece una visión de idealismo y melancolía. Pero tal vez, lo que resulta más atractivo, y lo que llena de fascinación al visitante son las obras de Lambert Escalà Milà. Sus rostros de mujer, refinada y etérea, esculpidos en terracota policromada: La ofrena, Noelia, Al vent, Sensual, El petó de amor...

Muy interesantes, las peanas en estuco policromado y estuco dorado de Antoni Gaudi. Un canto a la naturaleza transformada por la mano del artista, al igual que las vidrieras realizadas en vidrio emplomado por Maumejan Hermanos, Joaquim Mir o Antoni Rigalt.

Pero sin duda alguna, la pieza, la obra maestra símbolo del MUSEU MODERNISTA CATALÀ, y de la que el matrimonio Pinós-Guirao se enorgullece y con el que se siente plenamente identificado es el jarrón decorativo d’Eusebi Arnau i Mascort, realizado en mármol. Una pieza única y sorprendente.

Naturalmente, muchos artistas han quedado en el tintero: Joan Rodon Fabrés, Pablo Gargallo Catalán, Joan Busquets i Jané, Lluís Graner... pero la obra de expuesta en el MMCAT, es de tal magnitud artística, del tal grandeza que crea demasiadas emociones y sentimientos para ser sólo descrita con palabras: Debe ser visitada, con la misma abnegación y generosidad que se frecuenta el Museo Picasso, el Museo Diocesano, El Prado, el Thyssen, etc.

Alguien tan alejado del Modernismo como Vasily Kandinsky, aunque cohetanio de este movimiento, mencionó en uno de sus artículos del Der Blaue Reiter (El jinete azul) “(...) Cada arte es una vida propia. Es un imperio para si (...) El refinamiento del espíritu llevado a cabo mediante la suma de determinados complejos es la meta del arte. El arte es por ello indispensable y útil.”

El ARTE jamás temerá al paso del tiempo, permanecerá inalterable para quienes su belleza les acerque a la inmensidad de la creación. El MUSEU MODERNISTA CATALÀ es una resplandeciente obra de ARTE

MIQUEL ARNAL: PLASTICIDAD FOTOGRÁFICA EN BLANCO Y NEGRO

El espacio Àmbit Zero del Ateneu Caixa Laietana de Mataró, exhibe hasta el próximo 7 de noviembre la muestra fotográfica: Miquel Arnal-Fotografías: Works 1992-2009 (www.miquelarnal.com/art). Un interesante material gráfico – combinación de foto-estudio y paisaje urbano - que ha sido posible exponer gracias a la colaboración con la Jean Paul Perrier Art Gallery (www.jeanpaulperrier.com).

Alrededor de una treintena de fotografías, de formatos entre 60 x 50 a 108 x 82 cms., a excepción de paisajes urbanos, realizados en 117 x 56 cms. son las que figuran en esta exposición, donde la palabra plasticidad es el denominador común, especialmente en la serie Nela. Sinuosidad, sensualidad, flexibilidad... El cuerpo humano tratado como objeto visual a estudiar, a plasmar en imagen, amoldarlo fotográficamente, y como soporte artístico, marcado por tatuajes, símbolos y signos. Muy interesantes resultan los primeros planos masculinos, donde expresión de miradas, gestos y posición se equilibran a la perfección con particulares, casi esotéricos y rituales y otros agresivos y futuristas diseños. Series Animal y Transformer. El encuadre, la luz, la sombra, la neutralidad del fondo blanco, la sublimación a la perfección en el goteo del agua... todo milimetrado y exquisitamente planificado.

Arnal reivindica en la mujer su cuerpo, su feminidad, la ductilidad en las distintas posiciones fotografiadas. La seducción es un reconocido arte, y huyendo del clasicismo y cierta agresividad visual, nos muestra una mujer llena de firmeza, perfectamente consciente del poder que emana de si misma, dejando constancia de ello, como si de esculturas se tratase. De hecho, hay una serie con esta denominación: Escultura.

Es importante destacar la colocación de la obra expuesta, pues proporciona a nivel óptico, una visión muy parecida a la de los antiguos frisos griegos, o bien en paredes o bien en la decoración de objetos cotidianos: ánforas, jarras, platos, etc.

El contraste en esta exposición está en la frialdad, en la atmósfera gris, en la uniformidad de los paisajes urbanos. Una baja luminosidad, curiosamente realza la amorfa masa de cemento y vidrio, símbolo máximo del poder económico, pero a su vez anula la libertad del hombre, sometiéndolo a una estructura muy parecida a la de las colmenas. Nocturno, Personas, Urbe I, Cúpula III.

Una muestra impactante, tanto por conceptos como por contenidos, y donde Fundació Caixa Laietana ofrece una novedosa y original perspectiva artística, a lo que hay que unir la posibilidad de colaboraciones con importantes galerías de arte, como en este caso la Jean Paul Perrier Art Gallery, demostrando con ello que se está al corriente de las nuevas tendencias en el arte, lo que conlleva un reto a superar en cada nueva exposición.

MARGA RIERA: REALIDADES ARGELINAS

La visión de un artista a través de su obra, permite no tan sólo captar sus sentimientos o experiencias vitales, sino comunicar hechos o circunstancias, que en muchos casos facilitan la comprensión y el conocimiento de ambiente o de un entorno, alejados de nuestra cotidianidad, y que en muchas ocasiones desconocemos tanto por desinterés como por desinformación.
Marga Riera así nos lo ofrece con su exposición Entre la Llum i les Ombres (Entre la luz y las sombras, título éste habitualmente aplicado al Barroco), y que hasta mediados de octubre podrá ser visitada en Gal-Art (ronda O’Donnell, 89 de Mataró) (http://galeriadearteantiguedadesycolec.blogspot.com/)

Una obra de figuración desbordante, con dominio absoluto de la luminosidad del astro rei, en unos lares donde la tierra y el sol condicionan de por vida la existencia de sus habitantes. Una paleta de ocres, tierras, blancos... vehemente e intensa que envuelve el brillo persistente del calor del sol. Si el visitante es buen observador, quedará inmediatamente atrapado por la expresión, especialmente en los retratos femeninos: Tempus fugit (Tempus huido)-mixta s/papel, que muestran la dureza, la sumisión permamente ante la incomprensión de una vida no escogida, de un sufrimiento constante, de un futuro indefinido. Marga Riera trabaja una pincelada enérgica y vigorosa, calculada, sin dejar nada al azar, pero sensible y dulce cuando desea mostrar cierta ternura y delicadeza de unas manos o unos pies, en el estado de abandono de los sueños: Repòs (reposo) -mixta s/tela. En contraste, el paso de los años y de una vida dura: Vers la llum (Hacia la luz)-mixta s/tela.

La mujer es objeto de constante representación por parte de Riera, pero de tarde en tarde, concede al hombre un cierto “privilegio”, y muestra su admiración por los Tuareg: Ombres de silenci (Sombras de silencio) – mixta s/tela, tal vez como reminiscencia de los últimos hombres que viven y sienten en libertad, gracias a la inmensidad del desierto en el que habitan.

Pero tal visión, casi parece una fantasía, pues a través de Gratant la llum (Escarbando en la luz)- mixta s/tela- una puerta cerrada herméticamente, con evidentes muestras del paso de los años, deja poco margen al conocimiento de unas gentes en si poco abiertas, obligadas a la búsqueda de una vida mejor, pero lejos de sus fronteras, donde sus costumbres no tienen cabida, y donde el deseo de integración y de comprensión hacia su nuevo entorno, no se produce.

En conjunto, Marga Riera expone una muestra con una muy esmerada calidad técnica, de contenido muy reivindicativo. En los albores del siglo XXI, existen países con extremadas condiciones de vida. Aun así, la vida en Argelia le fascina: su música, su ambiente y su gente le atraen como un imán. No es lugar para sensiblerías y romanticismos, pero sin duda alguna, invita a explorar nuevas perspectivas y a reflexionar sobre nuestra civilización.

COLECTIVA SANT LLUC-2010: TIEMPO DE CRISIS

Con puntualidad germánica, la 64 edición de la colectiva Sant Lluc abrió sus puertas el pasado 16 de septiembre. Las salas de exposiciones del Ateneu Caixa Laietana, acogerán hasta finales de octubre un total de 90 obras, - la capacidad del espacio así lo justifica - seleccionadas por un jurado calificador.

Sin embargo, a pesar de la ingente tarea del jurado, este no ha podido evitar el descenso en picado del nivel de la colectiva. Después de tres años de asumir unos límites de calidad interesantes, es absolutamente desalentador comprobar como pocas son las obras que pueden calificarse de excelentes, y demasiados los trabajos de “repesca”, donde temática, técnica y ejecución distan mucho de piezas realizadas con ingenio y resueltas con eficacia.

Una gran parte de los expositores, bien por encontrarse en situación de jubilación y por lo tanto, disponer de tiempo libre para la distracción, o por tratarse de un hobby o terapia, al margen de la actividad laboral habitual, o por tener interés en aprender, -loable proceder que como preferencia admite con prioridad ensuciar cuatro pinceles y mezclar cuatro colores, etc.,- prefieren destacar, presentando una “obra” en una colectiva –por imposibilidad lógica de obtener sala para una exposición - y obtener a posteriori, la admiración – muchas veces ficticia – de amigos y familiares. Realizar cursos de macramé, aeromodelismo o coleccionar sellos, no proporciona la misma proyección social.

La primera edición de la Sant Lluc se remonta a 1946. Fueron 41 los artistas que expusieron y 116 los trabajos presentados. Seis décadas después, la multiplicación de gentes (mucho personal y pocos ARTISTAS), está absolutamente descompensada. Centrados en el entretenimiento, quedan en el olvido la historia del arte, literatura e información artísticas y el humanismo en general. Con estos parámetros, el acceso a una colectiva permite obtener un currículum ficticio.

A lo largo de la historia, el ARTE no tan solo consiste en la búsqueda constante de una admiración que extasíe al espectador, transportándolo a la contemplación de LA BELLEZA, acercándolo a su vez a lo divino, sino también una crónica visual, con empuje, espíritu y sentimiento de la evolución política, económica, filosófica, religiosa y social del ser humano.

El ARTE ha reflejado sublimación y miseria, poder y pobreza, acontecimientos históricos y la cotidianidad de la existencia, la naturaleza salvaje y el refinamiento más exquisito, el Paraíso y la Gloria, el Infierno y la Psique, y un largo etc., de circunstancias, siempre ha través de una de las máximas que ha hecho grande al hombre: la Creatividad.

En la edición 2010 de la Sant Lluc, pocos son los nombres consagrados (Perecoll, J.B. Parés, Manuel Cusachs,...), muchos se quedan en la retaguardia, otros destacan por calidad, técnica y temática bien desarrollados y experiencia probada (Marta Durán, Josep Serra, Catherine Lorton, Daniel Llin, Nieves G. Nau, Sandro Soriano o Jordi Torner Colomer, la autentica revelación de la muestra con una excelente obra de perfecta manufactura: “Escacs” (escaques), pero se echan de menos otro tipo de especialidades artísticas – esmaltes, vitrales, más grabados, figuras de vidrio, bisutería o joyería, la copia de una obra clásica y MÁS PINTURA AL NATURAL, pues todo se realiza a través de fotografía. Pocos han sido los jóvenes que se han acercado a la colectiva, bien porque no se atreven, o no han terminado los estudios o bien no es oportuno entrar en competencia con el profesor.

Sin desmerecer en absoluto la infatigable tarea de l’ASLL (www.santlluc.org), es innegable que una exposición de estas características también refleja le evolución y comportamiento de la sociedad, y de un momento económico.

NUEVA ETAPA PARA LA SALA DE EXPOSICIONES “LA PRESÓ” EN MATARÓ

La Associació Sant Lluc per l’art está de enhorabuena. Un espacio, en principio pensado para dar clases de dibujo, entra a partir de este mes en funcionamiento como una nueva sala de exposiciones, de manera continuada. Nos referimos a La Presó (antigua prisión de la ciudad, hoy reconvertida para fines culturales), situada en La Riera, 117, comienza su primera etapa de exhibición artística con una Mostra Col·lectiva de Gravat (Muestra colectiva de grabado).

Hasta el próximo 31 de octubre, los alumnos de Jordi Rosés y Pilar Lloret http://www.murtraedicions.com/ (Daniel Llin, Teresa Oller, Esther Aliu y Margarida Beltran), conjuntamente con Ismael Cabezudo, Tada Ikegale, Carme Peris y Regina Puig), exponen cerca de una veitena de obras, realizadas mediante la aplicación de múltiples técnicas de grabado.

Inaugurada el pasado 10 de septiembre, A. Luis, presidente de la ASLL http://www.santlluc.org/, destacó tanto la excelente situación de la sala – muy centríca – como la magnífica labor que están llevando a cabo Murtra Edicions.

La muestra es de diversidad absoluta en cuanto a conocimientos y elementos empleados: Litografías sobre papel japonés, inglés... Aguatinta y aguafuerte, estampados... utilizando tanto medios mecánicos, planchas no metálicas, técnicas aditivas, barnices y un largo etc. Todo ello permite a cualquier persona, con sólida base artística, no sea necesariamente un experto grabador, de pulso preciso y experiencia probada, sino que en combinación de técnicas litográficas, realiza una copia exacta del callejero de la ciudad de Mataró, tal como lo presenta ISMAEL CABEZUDO, quien tuvo extremo cuidado en conseguir un grabado perfecto, sin manchas ni imperfecciones. La originalidad temática reside en lo poco habitual que resulta, contemplar un plano de calles como una obra artística, y Cabezudo ha demostrado que es posible. Al igual que CARME PERIS, quien ha realizado una obra de parecidas características, pero con un contorno geográfico: Mediterrània - Lito sobre plancha tirado sobre papel japonés.

Si bien podría tratarse de una obra surgida de una litografía ya empleada, Peris ha sabido darle modernidad y elegancia, con una cálida y sugerente combinación de colores, y un tratamiento de fotoshop, reconvirtiendo un mapa de la costa del Mediterráneo en una obra de arte. El contraste temático se produce con Xemeneies (Chimeneas): Lito sobre piedra tirado sobre papel inglés. Una composición geométrica, no exenta de plasticidad, utilizando un cromatismo más duro y estridente, simbolizando la contaminación atmosférica a la que estamos sometidos.

DANIEL LLIN es el artesano grabador por excelencia. Sus obras, especialmente las de 10 x 10, son una autentica demostración de precisión, de trabajo meticuloso, de culto a la artesanía del grabado, que recuerda muy significativamente a aquellos del siglo XIX, en lejana memoria de Gustave Doré. Utilizando barniz suave s/jabón, permite captar y valorar una técnica de trabajo, la cual, si de historia se tratase, podría calificarse de historicista, dentro de la contemporaneidad antes expresada. El contraste con la técnica expresada lo expone TADA IKEGALE, con una obra realizada sobre papel japonés, de idea y desarrollo absolutamente complejos. Formas casi laberínticas, algunas de extraño magnetismo, otras imitando la naturaleza, dando lugar a multitud de dibujos individuales, todo perfectamente conjuntado, como si de montar una caja o archivo se tratase. Imaginación y originalidad se dan la mano en esta artista, exponiendo una obra que huye de las más arraigadas tradiciones del grabado, para adentrarse en las facultades de observación y la subjetividad del espectador.

MARGARIDA BELTRAN exhibe una obra tremendamente contemporánea, realizada en base a una perfecta simbiosis de técnicas clásicas y elementos modernos. Aguafuerte con barniz suave y estampado “a la poupée”, a dos tintas y con papel collage; Directo sobre plancha, Punta seca y estampado con tinta sepia y con collage o Directo sobre plancha “Manera negra” o “Mezzotinto”, estampado “a la poupée”, a dos tintas, etc., siempre utilizando plancha de cobre, de diferente grosor, hecho que le permite conseguir una serie de trabajos, que parten de una estructura técnica muy trabajada, dejándose fluir artisticamente por la serenidad y cierto misterio de las arboledas “Bosc de tardor, Bosc de boira” (Bosque de otoño, Bosque de niebla), la placidez mediterránea a través de las suaves ondulaciones de arena y agua “Es Caló. Formentera y Sorra y mar”, y el extraño hechizo y oculto sentido de “Regalims”(Goteos).

La obra de ESTHER ALIU, realizada en grabado calcográfico, aguatinta, aguafuerte, papel Hannemulle crema 107 x 93, puede resultar al espectador muy “planetaria”, casi como si contemplase la tierra des de un satélite. Un particular y abstracto sistema solar, o tal vez lunar, por el cromatismo utilizado, donde invita al visitante a contemplar el universo con ojos muy abiertos y extraña percepción.

Finalmente, los trabajos de REGINA PUIG y TERESA OLLER. Esmero en las obras, con aparente simpleza en el diseño, pero realizado a conciencia, dando como resultado una factura impecable.

ALCEU RIBEIRO: EQUILIBRIO EN LAS FORMAS, REFLEXIÓN EN LOS CONTENIDOS

J.F. Rafols indicaba en su Historia del Arte, página 482 con referencia a J. Torres García "¿Por qué no se le cita con mayor frecuencia entre los grandes creadores, los pioneros, los apóstoles del Arte Abstracto? Se pregunta Jean Cassou..." Corría el año 1970 cuando esta frase fue impresa en el citado volumen.

En el año 2010, las enseñanzas del artista uruguayano tienen vigencia absoluta, citas incesantes y renovación permanente, gracias a uno de sus más queridos y aventajados alumnos: Alceu Ribeiro, quien junto con Augusto y Horacio Torres, Fonseca, Gurvich o Matto fue de los primeros integrantes del mítico Taller que JTG fundó en Montevideo en 1939. A sus cerca de 91 años, el artista conserva porte y elegancia en su figura, aplomo en su mirada y lo más importante, un torrente de vitalidad creativa.

La Sala Dalmau (www.saladalmau.com), como en otras ocasiones desde 1997, exhibe en Consell de Cent, 349 de Barcelona, y hasta mediados de noviembre, una magnifica muestra de sus más recientes trabajos, (2005-2010). El particular Cosmos de Ribeiro refleja una de las realidades más constantes y a la vez más intangibles y simples del ser humano: la geometría. Líneas, espacios, volúmenes, formas de toda índole envuelven al hombre en la cotidianidad de su existencia, desde sus primeros instantes hasta su último aliento. Pero ese hecho tan poco percibido, Ribeiro lo transforma en ARTE, con total plenitud de contenidos, sin complejos y siempre en base a un equilibrio permanente, no exento de ciertos toques cubistas, que dan a su constructivismo ese exclusivo matiz, que sólo los artistas procedentes de tierras sudamericanas saben imprimir.

Un cromatismo vigoroso, intenso, donde predomina el rojo y sus múltiples derivaciones. El negro, como marco indiscutible para la composición, delimitación y unión de las formas, objetos y símbolos de su obra. Blancos, verdes suaves, amarillos y colores tierra, en proporción debida. Collage, Oleo s/ tela o madera, acrílicos, son los materiales que habitualmente utiliza el artista y el bodegón una de sus habituales expresiones.

Alceu Riberio (http://www.alceuribeiro.com) transmite a través de su obra, un mensaje de signos de toda índole, donde la subjetividad es libre. Su arte, también sabe acercar al espectador al cálculo y a la matemática, como lenguajes universales manifestados siempre de manera aparentemente impalpable, visualmente imperceptible, pero que Ribero utiliza y exhibe limpia y abiertamente, como declaración explicita y firme del arte del siglo XX, y con total validez en los albores del siglo XXI.

SETBA JOVE: IMAGINACIÓN AL PODER

Con la proximidad del otoño, muchas de las salas de arte renuevan sus fondos de galería o colectivas de verano, para dar paso a las expectativas de la nueva temporada. La exhibición de obras de noveles o consagrados artistas, presentando sus creaciones más recientes, en viejos o nuevos estilos, tiene como objetivo atraer la atención del coleccionista adicto, del comprador devoto, del incondicional visitante o del espectador ocasional, en pro del arte y a favor de continuar manteniendo los legítimos ingresos económicos.

Setba zona d’art (www.setba.net) apuesta por la novedad más radical, y se acerca a la estación predecesora del invierno con Setba Jove (Setba Joven), una exposición realizada en colaboración con Stripart http://www.stripart.org/art, un certamen éste, de jóvenes artistas, “que se dirige a todo aquel que experimenta con lo que cíclicamente se llama nuevos lenguajes artísticos”.

Desde el pasado 7 de septiembre y hasta el próximo 31 de octubre, Setba Jove ofrece al visitante una muestra llena de fuerza y energía, sin dejar de lado la frescura, el talento, la inventiva, la ilusión, la originalidad... como en aquella imaginación al poder del mayo del 68, llena de revolución y vitalidad, aunque el paso de los años la haya convertido en nostálgico ensueño.

Nueve artistas fueron los escogidos en esta muestra: Inma Fierro, Trinidad García Espinosa, Albert Lladó i Daniel Llamas, Rodrigo Martín, Flavia Mielnik, Cristina Palomar, Santos Román, Aris Spentsas, Montserrat Valls Codina. Todos ellos, ofreciendo variedad y disparidad de creaciones, a cual más vanguardista y atrevida siendo la fotografía la base principal de la mismas, teniendo todas ellas, como extraño nexo común, el interior, la soledad y en algún caso el vacío de la vida contemporánea.

Rodrigo Martín e Imma Fierro son quienes, tal vez, ofrecen técnicamente un mayor “clasicismo”. El primero con Breda & Hachazu, oleo y acrílico s/tela, y Fierro con Pandora & Inicio, realizada en mixta s/tela. Es ésta una abstracción de trazo amplio y cromatismo basico y terso, en contraste con una oscuridad central. Formas semi redondeadas dan calidez y suavidad, expresando sin grietas ni fisuras particulares sentimientos a flor de piel. Martín, implacable e impactante. Rojos intensos negros abruptos, trazo amplio y vigoroso. Es la vida, es el ser, es la complejidad humana, el deseo el vigor y la impaciencia.