NUEVA TEMPORADA EN EL CENTRE D'ART CA L'ARENAS (I): EXPOSICION PERMANENTE

El pasado 8 de octubre tuvo lugar en el Centre d'Art Ca l'Arenas de Mataró, la inauguración de temporada 2009 -2010, que tendrá como temática común la visión de la guerra a través del arte. Art i guerra, así se define esta muestra, en referencia tanto al 70 aniversario del final de la guerra civil española, como del inicio de la segunda guerra mundial.

La exposición permanente durante la temporada, situada en la primera planta del centro, está dedicada a la destrucción, expolio y salvaguardia del patrimonio cultural, histórico, artístico y religioso de la ciudad de Mataró durante el periodo bélico. Una muestra que recorre las vicisitudes y peripecias para evitar daños y perjuicios al patrimonio cultural, tanto catalán como español.

Parte de las obras del Museo del Prado pasaron por Mataró camino de París, para su guardia y custodia, así como parte del patrimonio catalán también fue a la capital francesa con motivo de una exposición, lo que permitió también su salvaguarda, al mismo tiempo que en masías de pueblos recónditos, sirvieron de depósito para muchas obras artísticas.

Aun así, muchas obras perecieron, victimas de la devastación, a causa de incendios de conventos, expoliación, bombardeos, saqueo y un largo de etc., que tuvo como punto inicial de partida la ignorancia.

Tal como expresó el concejal de cultura del ayuntamiento de Mataró, Sergi Penedès, “En esta exposición hay que leer”, pero en absoluto es una temática aburrida sino muy instructiva y pedagógica, tal como así lo planteó la comisaria de la muestra, Assumpta Montellà, al comprobar a través de una pequeña encuesta realizada a ciudadanos de Mataró, los escasos conocimientos de los encuestados en relación con los hechos que presenta la exposición.

Montellà quiso remarcar en la presentación, la voluntad y la firmeza de personas como Manuel de Arpe, conservador del Museo del Prado, quien a través de su diario, del cual la comisaria leyó un fragmento, testimonió la gran responsabilidad y sentido de conservación del patrimonio artístico, como herencia a los españoles, accediendo a la petición de su esposa de no reunirse con ella hasta que las obras de arte estuvieran a salvo.

Es importante destacar la gran cantidad de material gráfico aportado, objetos relacionados con el expolio, y especialmente dos dietarios realizados durante el mismo periodo por el conservador del Museo de Mataró de entonces, Rafael Estrany y el historiador Marià Ribas; el primero de forma apasionada y el segundo más riguroso pero discreto, relatan los acontecimientos vividos, dejando testimonio para la posteridad, de la crueldad de los momentos vividos.

La exposición permanecerá abierta hasta el 12 de septiembre de 2010, y está previsto que dentro de las habituales actividades del centro, la misma sea visitada por los alumnos y profesores de las escuelas locales.

"Hemos de salvaguardar la cultura, porque ella nos hará libres, incluso por encima de las guerras". Fueron las palabras con que Assumpta Montellà concluyó su intervención, y con las que Cuadros de ... muestra su total acuerdo.

ARQUEOLOGÍA CON RAICES Y SIN MITOS

En los albores del siglo XXI, la arqueología se contempla a nivel popular bajo el prisma de Indiana Jones en busca de mil y una aventuras, o de las míticas expediciones de algunos arqueólogos al antiguo Egipto, con el fin de descubrir tesoros y misterios enterrados en los monumentos funerarios de los faraones.

Pero la verdadera esencia de la arqueología se encuentra a base de leer y de documentarse, buscar, recorrer mil y un caminos y rascar, muchas veces sin obtener el resultado deseado, pero otras, en cambio, descubriendo elementos culturales e identitarios que no dejan de ser sorprendentes.

Es esta ultima percepción la que muestra el Museu de Mataró, conjuntamente con la Obra Social de la Fundació La Caixa, que hasta mediados de octubre ofrece la exposición: La missió arqueològica del 1907 als Pirineus (La misión arqueológica del 1907 a los Pirineos), en la que se pueden ver un total de 71 fotografías, seleccionadas entre más de 200 clichés.

Como suele ser habitual en este tipo de exposiciones, dedicadas más al aficionado, al curioso a quien tiene verdadero interés, pero no al gran público en general – lo cual no deja de producir un cierto sentimiento de tristeza por la falta de deseo de conocimiento que muestra nuestra sociedad – a base de paneles se exhiben un conjunto de fotografías pertenecientes a: Vall Luishon, el Vall d'Aran, Vall de Bohí, La Noguera y el Vall d'Isàvena, lugares todos ellos que tienen como nexo común el hecho de encontrarse en los Pirineos, y que sirvieron de estudio a la expedición que, tal como indica el programa de mano: "el 30 de agosto de 1907 salió en misión científica del Institut d'Estudis Catalans, formada por los arquitectos Josep Puig i Cadafalch i Josep Goday, el historiador Guillem M. de Brocà, el conservador del Museo Episcopal de Vic, Josep Gudiol y el fotógrafo Adolf Mas. …"

Esta exposición invita al visitante a reflexionar sobre lo que significa el patrimonio histórico y artístico catalán. Como la entrega de cinco personas procedentes de diversos ámbitos, pero con el deseo de investigar y de descubrir, permitió dar a conocer las raíces de lo que hoy es Cataluña en su vertiente histórica y artística, y que lamentablemente la manipulación política olvida, como si la grandeza que formaron la Corona de Aragón conjuntamente con los diversos Condados de Cataluña, no hubiera existido jamás, y todo se remontase al 1714.

A través del reportaje fotográfico, complementado con una muy adecuada filmación, el espectador puede percibir las duras condiciones de la expedición, perfectamente asumidas por el entusiasmo de los expedicionarios, y de como ésta y otras posteriores, constituyeron la salvaguardia del patrimonio catalán, a través del descubrimiento de los frescos en pequeñas iglesias románicas, como la de Santa Maria de Taüll o la de Sant Vicens, - conservadas en el actual MNAC - o las figuras de dos descendimientos.

El programa de mano también informa de la aportación hecha por el Institut Amatller d'Art Hispànic y la Fundació “La Caixa”. No será esta una muestra aislada, sino que "forma parte del conjunto de iniciativas que tienen como objetivo mostrar el patrimonio en fondos fotográficos de esta entidad".

Al material fotográfico, se añaden documentos de la época, como una carta de recomendación del Obispo de Vic, o una autorización del Obispo de la Seo de Urgell - gentileza de l'Arxiu i Biblioteca episcopal de Vic – páginas de las notas de mano realizadas en diversos cuadernos, donde se pueden encontrar dibujos del arquitecto y presidente de la Mancomunitat de Catalunya, Josep Puig i Cadafalch, que permiten observar una gran cantidad de plantas, secciones y detalles de los edificios. También se encuentra expuesto el librito: Nocions de l'Arqueologia Sagrada de Catalunya de Josep Gudiol, escrito en 1907, y dedicado al fotógrafo Adolf Mas.

Del mismo sacerdote Josep Guidol, se pueden comprobarf unos interesantes apuntes sobre la relación de los objetos artísticos encontrados.

Es esta una exposición muy ilustrativa del espíritu de una época, en base a las reminiscencias del periodo conocido como La Renaixença (1833-1859), y por supuesto, de gran valor didáctico para alumnos y profesorado de cualquier escuela.

MATERIA Y FORMAS

La sala Àmbit Zero del Ateneu Caixa Laietana, presenta hasta el próximo 29 de octubre la exposición Asimetrías Telúricas – Anatomías Urbanas, del artista y escultor Diego Guirao.

El artista, que nació en Mataró en 1956, fue alumno de Pablo Mañé entre 1971 y 1975. Efectuó estudios en l'Escola d'Estudis Artístics de l'Hospitalet de Llobregat (1976-1977), Facultad de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife (1977-1978) y Escola de les Arts del Llibre, Departamento de Grabado en Barcelona (1978-1983). Ha realizado exposiciones en galerías como la de Antonio de Barnola (Barcelona), Túrculo (Madrid), Estol (Barcelona) o Galeria Picasso – Centro Cultural Español (Nueva York), entre los años 1980 al 1991.

En esta muestra, no ofrece una obra que si bien no obedece estrictamente a las reglas básicas del arte como el Cosmos, el Canon, el Genio o la Sublimidad, si forman un conjunto de piezas, que dan al espectador una visión sencilla, pero de estructura compleja en lo que se refiere a su comprensión.

Formas y volúmenes asépticos, distantes y fríos. Pura geometría en su concepción y exposición. Un universo casi matemático, reforzado por la materia utilizada: hierro, piedra, arena u otros metales, que dan al conjunto del trabajo dureza y distanciamiento.

Una obra urbana, estructurada, con reminiscencias arquitectónicas. Volúmenes y espacios uniformados dentro de un contexto principalmente rectilíneo, repentino, implacable e incómodo.
No es esta una muestra para el gran público de la Sant Lluc, por ejemplo, que seguramente aprovechará la visita a la citada exposición, para echar una ojeada a la obra de Guirao, hecho que favorecerá al artista que en otras circunstancias, no le sería tan ventajoso.

63 EDICIÓN DE LA COLECTIVA SANT LLUC

El pasado 17 de septiembre, el Ateneu Caixa Laietana inauguró una nueva edición de la exposición colectiva Sant Lluc, con cerca de 90 obras escogidas por el jurado, de un total de 120 presentadas.

Organizada por la Associació Sant Lluc per l'Art, (ASLL) los orígenes de esta muestra se remontan al año 1946, cuando los hermanos Jordi y Jaume Arenas, y los también pintores Manuel Cuyás, Marc Zaragoza, crearon esta agrupación con la finalidad de permitir artistas mostrar su obra y honrar al patrón de las artes, San Lucas.

Como todos los años, se rinde homenaje a los artistas seleccionados en 25 ediciones, aunque las mismas no sean consecutivas, concediéndoles una pequeña paleta de plata. En este caso, solo ha correspondido al actual presidente, Antoni Luis. También merece especial atención, la sección In Memoriam, que recuerda a los artistas fallecidos durante el año: Rosa M. Font, Pepita Herrero, Antoni Monferrer, Josep Novellas y Leopold Valls.

Esta colectiva, de gran arraigo en el mundo cultural de la ciudad, cuenta en su acto de inauguración con una gran afluencia de público, principalmente artistas y familiares, con la presencia del alcalde de la ciudad, Joan A. Barón, y la presidencia de la entidad de crédito Caixa Laietana, que en este caso fue substituida por el vice-presidente Jordi Beltran. Joan Baptista Parés, más conocido como Parés de Mataró ha sido el artista invitado este año ha realizar el discurso en nombre de la entidad organizadora.

Este año, se caracteriza por el dominio del figurativo sobre la abstracción, una gran calidad en los temas y técnicas presentados, sin apenas muestras del llamado “arte emergente”. El jurado ha escogido noventa obras donde imaginación, concepto, presentación, expresión, trazos, cromatismos, ... o como rezan las reglas más estrictas del arte: armonía, cosmos, canon, genio y sublimidad son componentes que en mayor o menor grado forman parte de los trabajos presentados, sin olvidar la ironia, la crítica y el sarcasmo como elementos también temáticos para el arte, pues tal como dijo en su discurso Parés de Mataró "La libertat es la herramienta de trabajo de los artistas".

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 19 de octubre.

EL DIBUJO -EL ARTE EN ESTADO PURO

El diccionario define como pasión: un sentimiento violento que perturba el ánimo. En absoluto hay violencia en la exposición que el pasado 4 de septiembre inauguró la temporada artística de la Associació Sant Lluc per l'Art, esta vez en la sala del Col·legi d'Aparelladors de Mataró – Plaça Xammar, 2

Passió pel dibuix título de la muestra presenta la inusitada fuerza creativa a cinco mujeres: LAIA ARNAU, VIOLETA CAMAÑO, ANA GARCÍA, CATHERINE LORTON y LAURA SÁNCHEZ. Tres de las cuales, curiosamente, han escogido para exponer obras relacionadas con el mundo vegetal. Resulta absolutamente embriagador contemplar los diferentes universos expuestos, teniendo sólo como nexo de unión el hecho de ser mujeres.

Catherine Lorton es la sofisticación de esta muestra. Elegante, exquisita, minuciosa y precisa. Su obra es sumamente atractiva, tanto por la dificultad técnica, como por el excelente desarrollo que ha sabido dar. Casi se podria calificar la obra presentada como “rococó”, por la complejidad que la misma ofrece. Pero en absoluto es recargada. Simplemente, tiene un toque de distinción poco habitual, dentro del relativismo imperante en el mundo del arte.

Laura Sánchez presenta un interesante contraste de obra: la base técnica – medida y equilibrada – y la artística, como resultado final del estudio realizado. Es una muy original presentación, que permite apreciar la dificultad del dibujo, de pasar a papel un objeto o una planta. Un admirable trabajo, el cual hay que valorar en gran medida, ante la abstracción, en muchos casos con una gran base técnica, pero desarrollo absolutamente anárquico, por el impacto visual, la utilización del color o la deformidad de formas, más que no el equilibrio y el detalle. Es de agradecer a Laura Sánchez esta presentación formativa e informativa.

Violeta Camaño sale del nexo del mundo vegetal de la exposición y se dedica al retrato, de mujeres de procedencia lejana, probablemente indígenas de Sudamérica, invitando al espectador a la introspección que implica un rostro o figura humana. Su técnica es más simple, más fotográfica, utilizando la sanguina como color único, lo que le permite aumentar cierta sensación de dramatismo en los retratos, presentando una obra con los aspectos reivindicativos de mujeres infravaloradas.

Laia Arnau presenta una obra llena de encanto, de magia, de mundos oníricos, de sueños y de deseos. Es un trabajo que bajo su agradable visión, exhibe particularidades psicológicas, más cercanas a la curiosidad del estudio de la mente, que no a casos específicos. También existe la particularidad en sus trabajos de recordarnos el entorno del siglo XVIII con la creación de la Enciclopedia. Algunos de sus trabajos parecen explicar características de las plantas, de forma ilustrativa y didáctica, no exenta de cierta originalidad.

Finalmente, Anna García es, quizás, la más academicista de todas. Sus naturalezas muertas, sencillas, de líneas marcadas, con trazo firme y simplicidad de expresión, contrastan con los dibujos de paisaje urbano, frío, distante, abundando multitud de lineas, y donde distancia y llanura van aparejados. Casi parecen planos de aparejador, pero en conjunto la obra muestra a una artista en busca de un desarrollo y estilo propios, alcanzando dignamente los retos que se le plantean.

En conjunto, contrastes muy definidos entre cinco mujeres dibujantes, lo cual permite al espectador profundizar en el significado, creatividad y percepción técnica del dibujo.
La exposición permanecerá abierta hasta el 4 de octubre de 2009.

EMÍLIA DE TORRES: VITALIDAD, SENSIBILIDAD Y POTENCIA EXPRESIVA

Des del pasado 9 de mayo al 28 de junio, el Museo de Mataró acogió en sus salas la antológica: Emília de Torres, la força amagada, en un merecido homenaje a esta artista, con más de noventa años a sus espaldas, y con la vitalidad y la creatividad intactas, a pesar de los achaques de la edad.

Retratos, auto-retratos, desnudos, paisajes, bodegones y dibujos mostraron al visitante buena parte de su trayectoria artística, permitiendo ver una clara evolución des de sus orígenes hasta la actualdiad.

A nivel de datos biográficos, De Torres ingresó en 1942 en la escuela superior de Bellas Artes de Sant Jordi, (Barcelona), licenciándose en 1947 y obteniendo el título de profesora dos años más tarde. Durante medio siglo fue diariamente al Reial Cercle Artístic de Barcelona, donde dibujaba a modelo, lo que le valió en su momento ser proclamada miembro de la Junta Directiva de esta entidad.

Tal como indica Raquel Medina, en el catálogo de la muestra, “su concepción del dibujo no se limita a los apuntes, sino que es enormemente amplia y mezcla un dominio magistral en diferentes técnicas como el lápiz, el carbón, tinta, ceras... Cultivó todas las temáticas en cuanto a pintura, pero siempre por encima de las limitaciones del concepto de género... La solidez de los volúmenes en las naturalezas muertas o en la estructura de los paisajes, la firmeza del toque del pincel y el audaz pero armonioso tratamiento del color, demuestran en Emília de Torres, una asimilación inteligente y muy personal de lección de impresionismo, post-impresionismo y fauvismo...”

De Torres es una mezcla de estilos y en cada uno de ellos sobresale “Cum Laude” por su atrevimiento, por su propia identidad, por su creatividad en cascada: del paisaje hace figuración y de la figuración paisaje.

En sus retratos, no tan solo se percibe la persona , sino que se puede entrever un particular análisis que la artista hace de la misma o modelo. Nos muestra peculiaridades con tonos y toques expresionistas sólo captados por su sensibilidad. No sólo es pincelada, sino de un cromatismo intenso y potente, lleno de diversidades aplicado en la naturaleza de la persona retratada.

Ella misma es un perfecto ejemplo de evolución personal como pictórica, incluso de modas y formas de vestir.

Sus desnudos son reales, sin buscar sublimidad ni el encanto de bellas formas femeninas. De Torres pinta a una mujer natural, sinuosa de formas y sensual. Retrata a la mujer, sea de campo o urbana, envolviéndola en aguas voluptuosas, mostrando el elemento acuático como creación y vida en una mujer.

Su paisajismo está lleno de encanto, y a la vez, de una extraña magia que la intensidad de cromatismos especialmente en los verdes – fauvismo – permite atraer poderosamente la atención. “La naturaleza imita el arte”, dijo una vez Oscar Wilde, y Emília de Torres se impregna de una entorne, transmitiendo a la tela, con virtuosismo innato y combinando el color, paisaje, espacio y perspectiva.

Sus bodegones son de una sencillez extrema, pero de luminosidad exquisita. Llenos de vida a pesar de ser “naturalezas muertas”. Son obras simples, sin complejos, experimentando a la vez colores y sensaciones visuales.

En el dibujo, firmeza y equilibrio, curiosidad por la experimentación con vista de artista, quedan reflejados en sus carboncillos, ceras, etc. Estudios llenos de vigor y de rigor, con habilidad en su mano y cierta dosis de ironía.

Verdaderamente fue una muestra única, sin límites para una artista cultivada, exquisita, vital, positiva, de gran sensibilidad y firmeza en sus convicciones artísticas, libre de corsés academicistas, pero con solida base de estudio, imaginación y profesionalidad.

DIÁLOGO ENTRE LA IGLESIA Y EL ARTE

La noticia que a continuación publica Cuadros de una Exposición, poco o nada tiene que ver con la actividad cultural de la ciudad de Mataró, pero creo que por su interés y en muchos casos, por su sorpresa para el mundo artístico, merece toda consideración y difusión.

La Iglesia Católica, como muchas otras, es valedora del arte y conserva grandes tesoros que hoy constituyen patrimonio de la humanidad. Que Benedicto XVI decida mantener un diálogo con 480 artistas entre pintores, actores, escritores, directores de cine, etc. es sin duda una gran noticia para el mundo del humanismo, tan denostado en nuestros días.

Benedicto XVI invita al diálogo al mundo de las artes.

El 21 de noviembre próximo, en la Capilla Sixtina

CIUDAD DEL VATICANO, miércoles 9 de septiembre de 2009 (ZENIT.org).- Benedicto XVI se encontrará con músicos, pintores, actores, escritores y directores de cine y teatro de todo el mundo en la Capilla Sixtina el próximo 21 de noviembre.

Este encuentro, que ha sido presentado este miércoles en rueda de prensa en el Vaticano, pretende retomar el diálogo con el mundo del arte, diez años después de la Carta que le dedicó Juan Pablo II, el 4 de abril de 1999, y 45 años después del encuentro que mantuvo con los artistas Pablo VI, el 7 de mayo de 1964.

Según explicaron los organizadores del encuentro, dirigidos por el arzobispo Gianfranco Ravasi, presidente del Consejo Pontificio para la Cultura, han sido invitados 480 artistas de los cinco continentes.

Antes del encuentro, los invitados visitarán la Colección de Arte Moderno y Contemporáneo de los Museos Vaticanos, que se constituyó por voluntad de Pablo VI.

¿El fin del divorcio?

Se trata de un encuentro que busca "superar un divorcio" desde que el arte "renunció a la trascendencia" y la Iglesia "se pudo a la defensiva", según explica, en la edición de hoy del diario "L'Osservatore Romano", el director de los Museos Vaticanos, Antonio Paolucci.

"Quizás hoy se den las condiciones favorables para que la Iglesia pueda jugar con éxito el último as. En la disolución de los lenguajes y de los modelos, en la afasia expresiva que distingue a nuestro tiempo, la Iglesia debe hacerse mirada y escucha".

En efecto, recuerda monseñor Ravasi en otro artículo publicado en el diario vaticano con ocasión de este encuentro: "ya Pablo VI explicó que el gran desafío del artista es "robar los tesoros del cielo del espíritu y revestirlos de palabra, de colores, de formas, de accesibilidad".

El papa Montini "quería restablecer una alianza nueva entre la inspiración divina de la fe y la inspiración creadora del arte", alianza que se había roto hace siglos, afirma el presidente del Consejo Pontificio para la Cultura.

"El arte abandonó el templo, relegó en una estantería polvorienta las grandes narraciones bíblicas, los símbolos, las figuras, las parábolas sagradas y se encaminó por las vías 'laicas' de la contemporaneidad".

"Abandonó la concepción según la cual la obra de arte encarna una visión trascendente del ser, dedicándose a experimentar con el lenguaje, a complejas investigaciones estilísticas, a elaboraciones autorrreferenciales y finalmente a simples provocaciones", añade monseñor Ravasi.

Se espera por tanto, afirman tanto el prelado como Paolucci, por parte del Papa Benedicto XVI, muy sensible a estas cuestiones, que relance "un diálogo con la esperanza de que resurja una alianza profunda".

"Todo lo que expresa la espiritualidad humana - estupor frente al milagro de la naturaleza, culto de los afectos, escucha y reflexión ante los interrogantes supremos de la vida, de la muerte, de lo absoluto y del más allá - todo esto puede ser argumento para un arte religioso", asegura Paolucci.

El director de los Museos Vaticanos afirma que "a principios de este siglo y de este milenio, la relación entre la Iglesia y el arte no ha perdido ni sentido ni actualidad".

"¿Qué formas de arte se producirán en el tercer milenio cristiano? No lo sabemos. Hoy sólo podemos reconocer y, en la medida de lo posible, honrar y valorar, los fragmentos de sabiduría y de belleza que un día podrán construir el nuevo orden estético", concluye Paolucci.

PUBLICADO EN EL NÚMERO ZS090910 ZENIT.ORG

LA ANIMADA ACTIVIDAD DE LA ASSOCIACIÓ SANT LLUC PER L'ART

PUNTOS DE LECTURA: PEQUEÑAS OBRAS DE ARTE (I)

L'Associació Sant Lluc per l'Art de Mataró (ASLL), entidad organizadora de la Bienal Torres Garcia Premio de Pintura Ciutat de Mataró, es también la encargada de preparar y presentar diversas exposiciones a lo largo del año, tanto en su sala del Casal Aliança – C/ Bonaire, 56 – como la colectiva del Ateneu Caixa Laietana, que en breve tendrá lugar.

Los miembros de la ASLL, tremendamente activos a pesar de que en muchas ocasiones su esfuerzo no se ha visto lo suficientemente recompensado, tanto a nivel general como institucional, realizando una tarea absolutamente voluntaria, en pro del arte y de los artistas en diversas áreas, organizaron algunas exposiciones, durante esta primavera, de las cuales destacamos Exposición de Puntos de Lectura y Duván, pequeño formato.

Entre el 18 de abril y el 3 de mayo presentaron Exposició de Punts de Llibre. Coordinada por Daniel Llin, y con la colaboración de Teresa Roig, ambos miembros destacados de la entidad, junto con David Vergés, elaboraron una muestra excelentemente presentada, teniendo en cuenta su gran complejidad; exhibir cara la público una serie de pequeñas obras de arte, tal es el calificativo que merecen, en un formato de 22 x 6 cms. y que, sin excepción todas llamaran la atención del espectador, fue un reto para la organización, perfectamente superado.

Nombres como los de Marta Durán, Sandro Soriano, el mismo Daniel Llin, Catherine Lorton, Lucia Sánchez, Carme Fageda, Laia Arnau, Isabel Sabé, De Antonio (Antonio Rodríguez), Manuel Contreras, Miquel Faidella y un largo etc., hasta llegar a los 50 participantes, llenaron las paredes de la pequeña sala de exposiciones, formando un conjunto artístico, perfectamente armonizado, logrando realzar las pequeñas obras expuestas, hasta el punto de conseguir en si mismo el todo de una obra.

Estilos, pinceladas, texturas, cromatismos... ideas expresadas de mil y una formas facilitaron a más de un visitante, adquirir obra de autor a precios muy razonables y accesibles.

Una magnífica idea que desde Cuadros para una Exposición se desea fomentar en forma de celebración anual. Incluso podría resultar muy interesante, el poder contar con la participación de artistas de otras ciudades y poblaciones, tanto catalanas como del resto del estado. El formato es práctico y sugerente para cualquier artista que se atreva a afrontar los retos de su oficio.

DUVAN – EXPLORANDO EL PEQUEÑO FORMATO (y II)

La ASLL, conocida popularmente como la Sant Lluc, presentó la exposición Duván, petit format, durante el pasado mes de mayo. Más de una treintena de obras que el autor colombiano, residente en Besalú (Gerona) desde hace más de diez años, ponen de manifiesto un dominio preciso del pequeño formato, expresando sin problemas la diversidad de su universo artístico.

Siempre frescas e informales, de marcadas y suaves formas geométricas, simples y sin agresiones, Duván presenta una muestra llena de experimentaciones, tanto en el color – dominio de ocres, grises, y negros, pero sin olvidar amarillos y verdes y todo el cromatismo que identifica en gran medida, la siempre vibrante pintura sudamericana - como en las formas utilizadas en los oleos s/papel y en sus fondos especialmente en los bodegones, marcando un interesante distanciamiento entre el dibujo y los oleos, donde las formas son más abstractas.

Su experimentación llega hasta el punto de utilizar el ordenador, lo cual se puede comprobar en la serie Automats, donde ejecuta sus trabajos a través de la impresión digital más tinta, hecho que le permite con posterioridad trabajar el color.

Profundo admirador de Picasso – las formas cubistas están bien trabajadas, también muestra una especial visión del Constructivismo de Torres García; sus composiciones, observadas con perspectiva tienen formas arquitectónicas.

No hay frialdad ni distanciamiento en la obra de Duván. Al contrario, produce un gran efecto de cercanía, que utiliza a favor de una crítica sutil pero explicita. Incluso su Autoretrato, no deja de mostrar un tono burlesco e irónico.

Una muestra sin excesivas sorpresas, pero que en absoluto decepciona, pues el universo de Duván muestra variaciones infinitas.

EL AZULEJO: ARTE Y COTIDIANIDAD

De vez en cuando llegan a Mataró algunas exposiciones que por razones desconocidas, pasan sin pena ni gloria por nuestra ciudad, debido en parte a una gran desidia de la población por las exposiciones organizadas por la administración municipal, y en parte por el escaso eco en los medios de comunicación, especialmente los locales, propiciado por los propios organizadores.

Un ejemplo lo tenemos en estos momentos. El Museo de Mataró expone una hasta el próximo 13 de septiembre, muestra con un titulo muy sugerente y adecuado: El món des d'una rajola (El mundo a través de un azulejo).

No es esta la primera exposición que se organiza en nuestra ciudad sobre el azulejo. Recordemos que durante los meses de noviembre y diciembre del año 2005, el Museu Arxiu de Santa Maria de Mataró, centro de estudios locales, organizó una gracias al material cedido por la familia un conocido maestro de obras, de los más notables de la ciudad: Antoni Nogueras.

Sin embargo, la exposición organizada por el Área de Cultura de la Diputación de Barcelona, y contando con la colaboración de museos e instituciones como el Consorci del Patrimoni de Sitges, el Museo Municipal Vicenç Ros de Martorell entre otros, nos ofrece un recorrido por la historia de las artes, oficios, costumbres y tradiciones de la vida catalana, desde finales del siglo XVII hasta el siglo XIX.

A través de paneles y con textos breves pero muy explícitos, la muestra se presenta a nivel visual muy atractiva e instructiva, dando a conocer el origen de la producción del azulejo – hay que remontarse a la Italia del Renacimiento – del material con que están realizados – un soporte cerámico que permite representar cualquier tipo de diseños, siempre sobre fondo blanco y enriquecido con motivos ornamentales – su función específica – destinada al ámbito decorativo en cocinas y baños comunes, con el fin también, de evitar humedades, y con la curiosidad añadida de que a fecha de hoy, no se han encontrado azulejos que muestren el oficio de ladrillero.
Junto con Cataluña, ciudades como Sevilla, Talavera, Valencia, etc., tuvieron a su vez gran fama, gracias a su producción de azulejos.

La expresión artística de la muestra, está basada en la sencillez de lineas y colores, de tonos generalmente cálidos – hay que tener en cuenta que cromatismo depende de la fijación después de la cocción en el horno, de la pieza o azulejo – y de temáticas absolutamente diversas. Tal como indica el programa de mano “Los artistas tomaban como fondo de inspiración las Aleluyas (conjunto de estampas de una leyenda), los grabados y las estampas, los modelos de azulejos de otros países o el mundo que les rodeaba”.

Los diversos paneles, complementados con variados elementos decorativos como barcos, botellas y vasos de cristal de época, etc., ilustraban áreas temáticas muy concretas, como por ejemplo, los oficios de barrilero, cristalero, carpintero, agricultor... parejas, viajes por mar o en diligencia, y un largo etc.

Como curiosidad cabe destacar una Aleluya de producción gráfica catalana del siglo XVII, con cuarenta y ocho figuras, una de ellas una oca (auca en catalán) y también los signos del zodiaco.

Más que una exposición, es una crónica visual y artística de la historia social y económica en tierras catalanes; el retrato de una sociedad y su forma de vivir, de sus artes y oficios.

CENTRE D'ART CA L'ARENAS – CIERRE DE TEMPORADA

Des del pasado 10 de julio y hasta el próximo 27 de septiembre, el Centre d'Art Ca l'Arenas de Mataró – inaugurado con fecha 1 de julio de 2007, gracias a la cesión patrimonial de Jordi Arenas i Clavell, pintor, escultor y músico quien dejó en testamento a la ciudad su casa, actual sede del centro y buena parte de su fondo artístico, aproximadamente unas 6.000 obras – se exponen en sus pequeñas salas, cuatro muestras de estilos y temática absolutamente dispar: Fotografía (Ramon Manent – Interiors de culte), pintura al oleo (Jordi Arenas, records), formato audiovisual (Anja Krautgasser. Prologue & Prelude) y montaje fotográfico (Ita Puig, Percepcions i converses).

Tal como indico el concejal de cultura del Ayuntamiento de Mataró, y presidente del IMAC (Instituto Municipal de Acción Cultural), Sergi Penedés, en su discurso de presentación de las distintas muestras: “Ramon Manent retrata diferentes interiores en salas de culto de Cataluña, en la intimidad, a la búsqueda de la interioridad de las personas y sus distintas creencias. El espacio dedicado a Jordi Arenas nos muestra los retratos de la vida íntima de su familia. Anja Krautgasser, procedente de Viena nos presenta dos fotomontajes en instalaciones y finalmente Ita Puig combina texto e imagen ofreciendo versiones internas y externas, utilizando la mirada “voyeur” en el interior de las personas...”

De las cuatro exposiciones destacamos dos: Ramon Manent – Interiors de culte y Jordi Arenas, Records.

Ramon Manent (1948) fotógrafo de reconocido prestigio, especializado en fotografía artística, es autor de aproximadamente unas setenta publicaciones, entre las cuales destacan: Ceràmica catalana, Argenters i joiers de Catalunya (Plateros y joyeros de Cataluña), El Palau Güell o su obra más reciente Mirar Gaudí del año 2002.

De profesionalidad altamente demostrada, con dominio absoluto de encuadres, perspectiva, equilibrio entre luces y sombras, etc., nos muestra un conjunto de una quincena de fotografías, donde recoge momentos relacionados con el culto o la oración, en espacios tan diversos como una cartuja cisterciense, el monasterio de Poblet, la entrada a un templo ortodoxo, el momento de oración en uno budista, o un cementerio islámico, todos situados en Cataluña.

Su obra fotográfica muestra la complejidad, la diversidad y la riqueza de matices de distintas creencias, intentando captar la voz íntima de las personas que buscan espacios personales o poder expresar lo más profundo de si mismos.

No obstante, a pesar de ser ese el objetivo, la muestra es fría y distante, convirtiéndose en un simple sucesión de diversas imágenes, de gran calidad pero con gran falta de expresividad de la esencia artística, de belleza interior. La perfección técnica de Ramon Manent, aísla cualquier atisbo del espíritu de la creatividad.

Como contraste, encontramos técnica y arte perfectamente combinados en los distintos dibujos y pinturas al oleo de la muestra dedicada a Jordi Arenas. Los Retratos, corresponden a su familia, centrándose principalmente en sus padres, tanto en su época de esplendor de personas pertenecientes a la alta burguesía, donde se denota elegancia y distinción, tanto en el posado como en los elementos que les rodean, especialmente en la madre, sentada en un confortable sofá de terciopelo rojo, y con armiño en sus manos. Unos retratos de principios de siglo realizados por Josep Ma. Recorder, en contraste absoluto con el retrato que realizó el propio Jordi Arenas en el año 1944, donde sin perder el señorio, sí se observa una pérdida de status económico.

La sobriedad de Recoder en contraste con la profundidad y el sufrimiento de Arenas, a base de jugar con claroscuros, destacando la figura materna, tanto en su rostro como en su vestido. Un retrato hermoso por la profundidad de sentimientos, como también lo es el dedicado a Dolors Feliu, criada de la familia. Una obra también de gran belleza donde se muestra sentimiento y sufrimiento, con detalles magníficos en el rostro de la anciana, un trazo preciso y al detalle en sus manos, deformadas por la edad y la artrosis.

Finalmente, destacar los dibujos situados dentro de la vitrina de concepción sublime en cuanto a trazo, elegante y firme. Un estudio sublime de la expresión para retratar la cotidianidad de la familia, especialmente en el dulce momento de la somnolencia que se produce después de una comida, y donde más vulnerables podemos ser.

Belleza y técnica combinados con calidez, con profundidad de sentimientos para mostrar la la magia del alma que no se ve, y del esplendor latente del paso del tiempo.

COLECCIÓN BASSAT II – EL CLASICISMO DE LA VANGUARDIA CATALANA DURANTE LOS AÑOS 70

NOTA:

Ruego al amable lector acepte mis disculpas por la mala calidad de las fotografías ofrecidas, pero el mismo día de la inauguración mi cámara se estropeó y me vi obligada ha hacer las fotos con la cámara del movil, la cual, evidentemente, no muestra la nitidez necesaria. Gracias por su comprensión.

Las salas de exposiciones de Can Palauet – C/ Palau, 32 de Mataró - presentan hasta el próximo mes de septiembre, parte de la colección de la Fundació Carme i Lluís Bassat, que proximamente pasará a del futuro Museo de Art Contemporani de Catalunya, con sede en la capital de la comarca del Maresme.

Bassat, más conocido por su actividad publicitaria, al ser dueño de la agencia publicitaria Bassat & Ogilvy, que en su momento participó con gran exito en organizar las campañas de los JJ.OO Barcelona 92 y la Expo-Sevilla de ese mismo año, es también un gran coleccionista de arte. En 1973 su afición a la pintura le llevó a adquirir buena parte de la Galeria Adrià de Barcelona.

Figures dels anys 70, muestra un total de 23 obras de gran formato de autores pertenecientes a la vanguardia de los setenta como fueron: Eduard Arranz Bravo, Francesc Artigau, Rafael Bartolozzi, Gerard Sala, Xavier Serra de Rivera y Miquel Vilà.

Núria Poch, comisaria de la muestra, explica en el catálogo de la misma las distintas tendencias pictóricas de cada artista: La “nueva figuración” de Arranz Bravo y Rafael Bartolozzi, heredera de Francis Bacon “en la contorsión de los cuerpos y en la deformación de los objetos”.

“La visión irónica de la vida cotidiana” que mostraba Francesc Artigau, gran dibujante y continuador del pop art. “Hacía especial hincapié en la temática de escenas urbanas, domésticas o eróticas, donde su personal utilización del color y de la ironía, conducían con frecuencia al hecho grotesco”.

Según la opinión de Núria Poch, “Gerard Sala creaba una pintura con superposiciones y relieves, utilizando materiales como el aluminio, a caballo entre el informalismo y el pop”.

Y con respecto a Xavier Serra de Rivera y Miquel Vilà, “desarrollaron un lenguaje propio, original y con referencias al mundo onírico”.

En total coincidencia con el criterio de Poch, Figures dels anys setanta. Col·lecció Bassat II es más que una colección de arte. Es una crónica pictórica de estilos, temáticas y técnicas, de talante absolutamente idealista, que el paso del tiempo ha relegado a un cierto olvido, arrastrada por tendencias de un arte emergente, que en ningún caso tiene la solidez de la contemporaneidad de los años setenta, y la osadía que representaba creer que los cambios eran posibles y poder plasmarlos a través de formas deformadas o figuraciones existentes sólo en la imaginación del artista, dando al cromatismo una fuerza y energía avasalladoras.

A través de espacios y volúmenes, en muchas ocasiones inverosímiles se proyectaban innovaciones constantes, permitiendo estar a la altura de los mayores movimientos artísticos internacionales, plantando cara a la tradición establecida.

Figures dels anys setanta. Col·lecció Bassat II es la representación de toda una época, donde una nueva sociedad reclamaba su lugar, y supo dar a estos artistas, a veces por motivos económicos, otros por querer destacar socialmente, o simplemente creer firmemente en ellos, un valor que a muchos les permitió salir de las fronteras del estado.

Son obras donde, a través de sus pinceladas puede observarse la ILUSIÓN, no exenta de crítica, reflejada especialmente en la intensidad de los colores. Una forma de expresar vida y libertad, a través de la CREATIVIDAD. El espectador sensible se dejará llevar por el placer de los sentidos visuales, quedando cautivado por el magnetismo de las obras, por la imaginación temática, como por la forma de entender el surrealismo, el informalismo, el pop art o la figuración.

No hay duda que de estamos ante una exposición catalana. Las formas artísticas tenían distintos criterios en el resto de España. Cataluña se encontraba en un momento de esplendor económico, siendo líder en muchos ámbitos.

Pero el tiempo ha transcurrido y Cronos se muestra implacable e inflexible. Si un cuadro del Barroco o del Renacimiento permanece en el tiempo debido por la consagración que del mismo se hace a través de museos, galerías o subastas, obligando al dios del Olimpo a traspasar la barrera de los siglos, la Colección Bassat II, se encuentra envuelta en una dulce melancolía del cambio permanente, que supuso la década de los setenta. Es un retrato incuestionable de valores alterados, que han quedado relegados en el cementerio del olvido.

Es muy de agradecer a la Fundació Carme i Lluís Bassat su invitación, pues a través de su colección de cuadros, podemos despertar de la amnesia artística que el despotismo de Cronos ha sometido a los creadores de los años setenta.

ALBERT ALÍS EXPONE EN 3 SALAS DE MATARÓ

La capital de la comarca del Maresme acoge en las salas de Espai CapGros, La Presó y el Casal Nova Aliança - estás dos gestionadas por la Associació Sant Lluc per l'art - 3 exposiciones del pintor mataronés Albert Alís, cuya trayectoria se inició en 1981, habiendo sido alumno de Pablo Mañé, Raúl Capitani y J.Martínez Lozano.

Con obra expuesta en ciudades como Barcelona, Sant Cugat del Vallés, Mataró, Reus, Plaja d’Aro, Vitoria, Madrid, Marbella, Girona, etc., y en el extranjero, en países como Bélgica o los Emiratos Árabes, Alís presenta en esta ocasión unos estudios del cuerpo humano “Estudiant el cos 1 i 2”, y su particular visión de algunas ciudades europeas como Hamburgo, Venecia, París o Roma.

Dentro del estilo de neofiguración que le caracteriza, y siempre cercano a informalismos, nos encontramos un Alís definido, bastante más detallista, utilizando el carboncillo sobre papel, en formato medio y pequeño, en los estudios que se exponen en la Sala Casal Aliança. Una visión de la anatomía muy escrupulosa, academicista incluso, no exenta de sensualidad y de cierto idealismo, especialmente en la figura femenina. Un trazo firme y ágil, en constante observación de la figura humana que en nada tiene que ver con la obra presentada en el área de La Presó, sensualmente etérea, colores tenues – obra en oleo sobre tela – suaves, de trazo fluido, sin precisiones, pero marcando contextos y formas, y con un cierto toque de exótico erotismo, plasmando más las sensaciones, y siempre con su eterno fondo “blanco Alís”. En ambas exposiciones el espectador puede observar como existe una clara “conversación” entre artista y obra. En ningún momento hay ni demasiadas pinceladas, ni abuso del color o grises. Todo mantiene un equilibrio.

Con referencia a la muestra exhibida en Espai Capgros, el propio artista manifiesta que su idea “era introducir caracteres tipográficos en mis cuadros, como una forma más de llenar el espacio”. Las imágenes escogidas no son demasiado iconográficas, aunque “aun así son fácilmente reconocibles”.

Todas las exposiciones podrán ser visitadas hasta finales de julio.

DE ANTONIO EN DUBAI

Des del pasado día 13 y hasta el próximo 26 de junio Antonio Gutiérrez Rodríguez, más conocido artísticamente como De Antonio expone en la Galería 76 del Dubai International Art Center, su obra más reciente, compuesta de dibujos realizados en la capital del reino de Barhein. Presentada por el embajador de España en los Emiratos Árabes, la exposición resulta contradictoria para el público árabe, quien muestra una interesante dualidad entre sentirse invadido por artistas extranjeros, a los que admira, pero a su vez percibe el valor económico que puede suponer.

En base a otras exposiciones, De Antonio expone una obra impactante, imponente, dura, buscando la sublimación en la expresión artística, a través de su particular visión del cuerpo humano, centrándose en el hombre, donde extrae y expresa una increíble fuerza, producto de la mezcla de dureza y misticismo. El trazo es firme y seguro, lleno de movimiento, sin dudas.
De Antonio no suele jugar con las perspectivas. Su mensaje es frontal, obligando al espectador a observar su obra, y mientras lo hace, descubre la energía de su creatividad.

Su obra suele ser de extraña y seductora belleza, llena de pasión surgida de la negatividad, tal como en su momento lo manifestó el autor en la muestra realizada en el Espai Hartmann de Mataró “Lo negativo me inspira. Es una lucha interna continua: yo contra el resto” .

CHEMA GARCÍA DOMÍNGUEZ – LA COMPLEJIDAD EN LA PINTURA

El Popular , un bar restaurante situado en la calle San Joaquín número 2 de Mataró, y donde también se puede ir a hacer una copa a cualquier hora, acoge la exposición de Chema García Domínguez, un joven pintor que muestra una obra absolutamente heterodoxa, dispar, difícil de calificar, pero al mismo tiempo, y por estas mismas razones, atrae extrañamente al espectador.
Lo más impactante es su potencia expresiva, única, de poderoso magnetismo que envuelve a un artista complejo, apasionado, vibrante, con mucho que decir pero también con un largo camino que recorrer.

Al espectador habituado al arte le puede resultar familiar la obra de García Domínguez, pues muchos de sus trabajos recuerdan al trabajo de animación que George Dunning realizó para el film de The Beatles, “El submarino amarillo”. Pero evidentemente, la diferencia se nota en las formas, contenidos y mensajes, todo ello envuelto por una singular admiración hacia Arcimboldo, el pintor renacentista.

García Domínguez utiliza toda clase de materiales: Oleo, colage, lápiz, etc., plasmando en su obra todas sus obsesiones, deseos, ilusiones y mucha crítica y frustración hacia el ser humano y su evolución.

Algunas obras como Archivaldo, Adelante, La mujer y su carisma e incluso un particular Autoretrato, muestran a un artista en plena fase de experimentación, a la búsqueda de si mismo, mostrando un mundo interior, a veces desgarrador, a veces tierno, a veces optimista, a veces hundido...

Y lo expresa con la virulencia de un cromatismo básico, un trazo impulsivo, sin seguir academicismos, duro y contundente. Tarde de toros podría ser la unificación de todos estos conceptos. Una obra llena de simbolismo, pues no es lo que se expresa a simple vista, sino la impasibilidad de la sociedad actual.

Chema García Domínguez tiene mucho que decir y exponer. Sin lugar a dudas, es como el vendaval que anuncia la tempestad, y ello hace que resulte innovador. Pero todo en la vida tiene un proceso, incluso la descarga de rayos y centellas, por lo que le será necesario el tiempo para encontrar el equilibrio, la técnica y la magia de lo que es ser artista.

ESPAI CAPGROS – LA DULZURA DE MARISA BLASCO

Aprovechando el espacio que conceden las paredes de la redacción del semanario gratuito Capgros, mensualmente se organizan exposiciones de arte, en su mayoría de pintores locales, aunque también tienen cabida artistas procedentes de otras localidades de la comarca e incluso de Cataluña.

El pasado 29, Marisa Blasco, alumna de Albert Alís y Marta Durán, inauguró su muestra Blau íntim. Blasco, que lleva cerca de quince años en el mundo de la pintura, presenta una obra tierna, cálida, sin pretensiones, que acompaña al espectador, y tal como indicó en las palabras de presentación Mateo Ros, director del semanario, tranquiliza. “No conocía a Marisa, pero me pareció una mujer fuerte, siempre dando ánimos, y que también tranquiliza. Se nota que la quieren”

En la inauguración, la poesía y la música tuvieron cabida, pues fueron recitados poemas de Miguel Hernández, Pablo Neruda y Manuel Patricio, poeta local, por parte de su marido, el también pintor y rapsoda Carlos Soriano y su hijo.

La obra de Marisa Blasco se contempla con absoluta sencillez. Marinas, interiores, bodegones, etc. en formato pequeño medio, siempre en oleo s/tela forman un conjunto de obra académica, clásica, pero a través de las pinceladas se demuestra una gran sensibilidad en la elección de cromatismos, sus degradados y los entornos y espacios escogidos.

No hay agresividad alguna y sí algunas concesiones al impresionismo, aunque en algunos paisajes, no deja de recordarnos ciertas connotaciones barrocas.

Los que conocemos a la pintora, observamos una gran evolución desde sus primeras marinas a la pintura actual, mucho más profesional, donde están plasmados toda clase de hermosos sentimientos.

La obra de Blasco no admite complicaciones, y a buen seguro, la crítica más recalcitrante la despreciaría. Marisa Blasco no ganará grandes premios de pintura, y apenas será nominada para participar en algunas de las exposiciones de esos premios, pero cualquier persona de espíritu delicado y romántico se identificará con su obra, cualquier pared de cualquier casa brillará con luz propia y cualquier entorno tendrá, con los cuadros de Marisa, unas manchitas de brillantez, unas notas de color y un chisporroteo de serenidad y ternura.